El gran Ingmar Bergman filmo esta historia tal y como se narra en la canción en The Virgin Spring (1960). En el 72 Wes Craven la adapto a un contexto contemporáneo y mucho mas violento, dejando a un lado los cuestionamientos religiosos y adoptando únicamente la idea de la retribución sangrienta como consecuencia de la violencia inherente en los seres humanos. Pero esa fue una película mala. Ahora Wes Craven produce y pone al griego Dennis Iliadis a dirigir un remake del remake de Craven, una ves mas sin realizar cambios muy grandes a la premisa básica.

La versión de los 70`s era muy independiente y burda en su aspecto visual, lo cual le daba cierta autenticidad y visceralidad, pero también era amateur en su dirección y demasiado malévola en todos los actos que se presentaban. El objetivo se perdía en los excesos. La nueva versión sabe como construir tensión por medio de un lenguaje cinematográfico profesional y técnicamente impresionante; sabe crear drama con interpretaciones intensas y realistas, y sabe llenar las obviedades e inverosimilitudes de su historia, así como complementar los convencionalismos del genero con diálogos bien escritos. El director juega con ciertos elementos clásicos del genero de horror contemporáneo y nos engaña haciéndonos creer que esta será una película típica. Esta versión es mas calculada e inteligente en su presentación. La setentera era mas directa y cruda.

Admito que me es difícil recomendar una película así, sobretodo en esta temporada de blockbusters, cuando se que el contenido es gráfico, angustioso y doloroso de ver. No, no es tan violenta como la versión de Craven, pero aun así no escatima en la intensidad y en la forma inquebrantable de mostrar los hechos monstruosos que los delincuentes realizan, poniendo al espectador en una situación incomoda.

Después tenemos nuestra “recuperación” cuando los padres empiezan su venganza pues, tanto ellos como nosotros buscamos algún pago por los actos cometidos en la primera mitad. Esta parte de la película es mas propia de un típico filme de genero en atmósfera y situaciones, pero aun así consigue incrementar la tensión a niveles altos, siempre gracias a la mano segura de Iliadis que evita modas como cámaras epilépticas o brincos baratos y mejor utiliza magníficamente el espacio de la casa en penumbras con excelentes movimientos y posicionamientos de cámara.

Finalmente podría hablarles de la “moraleja” de la película, pero ciertamente en esta versión no es necesaria aceptarla. El mensaje ahí esta, y es bastante obvio desde la sinopsis así que, o les gusta o les parecerá una excusa barata para mostrar violencia. Sinceramente mi posición es neutra porque la película sí tiene momentos, principalmente en la escena final que, sencillamente, no debería existir de ese modo, en la que pareciera inclinarse a la segunda razón. Pero la calidad de la producción, realización y de todos los elementos sensoriales que conforman un filme están en el lugar correcto.

Hasta ahorita Last House on the Left es lo mejor que he visto este verano. Si pueden aguantar este tipo de material, la recomiendo ampliamente.

Para ser honesto, podrían leer mi reseña de la primera Transformers y con la excepción de ciertos datos únicos de la primera cinta, aplicaría perfectamente a la secuela: La Venganza de los Caídos. Esta película es, una ves mas, un ejemplo del exceso de Bay y una fiel creyente de que mas es mejor. Desafortunadamente eso no es verdad.

Ahora, quiero aclarar que no odio a Michael Bay. Considero que es talentoso en su estilo de cine y para mi, La Roca es una grandiosa película de acción, La Isla tiene momentos muy buenos y Armageddon es una completa y rotunda estupidez que entretiene increíblemente.

No entrare en esos detalles básicos para que un filme sea bueno, como historia, personajes e inteligencia, ya que Transformers 2, por mas que lance bombas de humo tratando de agregar estos elementos, no los tiene. Como muchos han dicho, esta película es sobre acción, entretenimiento y destrucción.

Las buenas noticias es que Bay si hizo caso a las criticas sobre lo incomprensible de las peleas entre robots del primer filme y modifico su estilo en ciertas secuencias de acción en esta ocasión. Su cámara en ocasiones, se ha vuelto un poco mas sofisticada, menos mamila, no intenta llamar la atención tanto a lo que hace sino a lo que esta tomando (que es lo importante) y eso me permitió disfrutar las secuencias de acción, en general, mas. Particularmente una climática y emocional pelea en el bosque que llega poco antes de la mitad de la película y que es, definitivamente, uno de los mas brillantes avances técnicos que ha logrado el director.

Lo mas sorprendente que se puede decir de Transformers es que es aburridisima en ciertas partes, y digo que esa es la sorpresa porque sabemos que en una película de Michael Bay, las explosiones y los efectos especiales mas modernos serán una constante siempre.

No dedicare tiempo a hablar de la historia porque seguramente la mayoría ya la conocen y los que no, probablemente no les importa; solo diré que tenemos al geek encantador (Shia LaBeouf) a la súper mami sexy que por supuesto no es nada superficial e incluso tiene una historia (mas bien un evento) que la hace “trágica” (Megan Fox) a un Secretario de Defensa tarado (Jon Voight) a los militares mameys y galanes (Josh Duhamel y Tyrese Gibson) y mi favorita: La hacker mas buena y sexy que haya visto en mi vida (Rachael Taylor).

Se lo que piensan. Nada de eso suena mal pero, la realidad es que todos esos elementos no nos importan, lo que queremos ver es a los robots computarizados pelearse y destruir cosas. Es una lastima que la mayoría de la película se concentre en los aburridos personajes humanos y en su desarrollo y caracterización que, al final, suman absolutamente a nada.

Tampoco podemos olvidar los estereotipos raciales y además, Bay es tan abusado que hasta se burla de su audiencia objetivo, poniendo a un gordito que graba los explosivos acontecimientos que se desarrollan a la mitad de la película mientras grita “fuego, fuego, fuego, pum pum”.

Al inicio de Lo Que Queda del Día el señor Lewis (Christopher Reeve) alienta a Stevens (Anthony Hopkins) a que “salga y vea el mundo”. Stevens lleva mas de 30 años como mayordomo en esa casa. Siempre como un espectador impávido cuyo único deber “es servir y no, asentir o no asentir”

La película esta contada como flashback; en la actualidad Stevens tiene problemas con el numero de sirvientes en la casa y viaja en busca de la señora Kenton (Emma Thompson) la ama de llaves mas extraordinaria con la cual haya tenido el placer de trabajar. A partir de ahí regresamos a los años en los que se conocieron y en los que asuntos políticos importantes se llevaron a cabo en la casa. Esto fue en los años 30’s y continuó hasta el inicio de la Segunda Guerra Mundial.

Stevens es un hombre emocionalmente aislado y tal ves inmaduro. Cuando la señora Kenton se acerca para demostrarle su afecto Stevens se encorva como un niño pequeño que se siente amenazado y se aferra a su libro. Sus ojos expresan miedo ante el anhelo que, a través de los años, a entrenado para desaparecer. Su trabajo es el motivo de su existencia; la educación y la formalidad de su profesión son el mecanismo que le permite defenderse de su consciencia y sus emociones. En cada momento en el que Stevens intenta abrir su corazón rápidamente contesta o asiente con explicaciones relacionadas con su deber. Una de ellas es “un hombre no puede ser feliz hasta que no haya hecho todo lo posible por servir a su patrón”. Estos hombres no viven de ningún modo para ellos mismos. Cuando el ya mayor padre de Stevens se cae, su única preocupación es la platería que traía en una charola. Cuando su corazón falla, se aferra al carrito donde trae su trapeador, su escoba y su plumero. Cuando muere, Stevens no puede reaccionar por su deber pero, ¿No lo hace porque esta atendiendo a invitados o porque simple y sencillamente ya no puede hacerlo?

À L’intérieur es una película malvada. Busca situaciones para llevar al publico al limite de la tolerancia y una ves ahí hace otra cosa que no esperábamos. Esta no es la película mas perturbadora y violenta que haya visto, pero esta cerca; su efectividad radica en una duración pequeña (79 minutos) una buena dirección y actuaciones intensas para el duelo entre los dos personajes.

Sarah (Alysson Paradis) es una amargada viuda que esta embarazada. El accidente en donde perdió a su esposo la dejo fría ante los prospectos que la vida le pudiera ofrecer, incluyendo su aun no nacido bebe. Esto causa que nos preguntemos si Sarah piensa en su hijo o solo en su propia supervivencia cuando una mujer (Béatrice Dalle) se presenta en su casa con la linda intención de sacarle al bebe de su vientre. ¿Porque no esperar hasta que nazca si al día siguiente Sarah se interna en el hospital? Tal ves sea idiotez, o tal ves la mujer quiera hacerla sufrir; ¿Importa? La verdad es que no. Todo es una excusa para causar dolor a las dos mujeres y al espectador y por lo mismo la película no esta exenta del síndrome de convencionalismos de la mayoría de los filmes de horror.

Ringu

J-horror es un termino que se utiliza para denominar a cierto tipo de films de horror de origen japonés cuyas tramas tiene elementos comunes entre si, como fantasmas denominados Yurei. Espiritus que se quedan atados físicamente a nuestro mundo debido a fuertes emociones que nos los dejan desvanecerse o irse al otro mundo o lo que sea. Por supuesto el look tradicional lo conocemos gracias a El Aro: Ropas blancas, pelo largo, lacio, negro y cubriendo toda o la mayoría de la cara; y en general son mujeres debido al misticismo y al miedo que se tenia de la figura femenina en épocas antañas en la historia de Japón.

El origen de este genero esta en las historias de fantasmas del Periodo Edo y de la Era Meiji. A estas historias se les conocía como Kaidan.


En los últimos años, debido a la creciente popularidad del cine de terror japonés, muchas de las cintas han tenido o tendrán próximamente su remake. El Aro fue una de las primeras en tener su remake americano como El Aro. Agua Turbia, Ju-on y Kairo son también ejemplos de ello.

Esta creciente popularidad ha causado una saturación inmensa que no solo se le puede culpar a los remakes gringos. La producción de este tipo de películas fue elevadisima en Japón e incluso se tomo también en países como Corea, por ejemplo con El Ojo; y Tailandia con películas como Shutter o No estamos solos ya que aseguraban un gran negocio y un éxito asegurado de taquilla. Desgraciadamente la creatividad que se puede ver en muchos de los productos originales se simplifica y se repite de forma simplona y genérica en la mayoría de las películas gringas, siendo El Aro la única excepción, creando una nueva tendencia de horror clasificación B, sin sangre con puros sustos para saltar de la butaca pero no mas y así, atrayendo a millones de chavitos a la sala y ganando mas dinero.


Irónicamente mientras las películas estadounidenses basadas en el J-Horror se atascaron en esta tendencia, mientras las originales van desde lo carente de sangre pero con gran carga psicológica, hasta lo extremadamente violento, aunque por supuesto también se encuentran mediocridades a montones.

Y ese es el punto. Lo que comenzó como un nuevo formato de cine de horror, revolucionando la forma de asustar, en 5 años cayo en lo fastidioso, en lo predecible y en lo aburrido, sin embargo las joyas que salieron en su mejor época siguen siendo indispensables. En estas películas, como la original de El Aro, El Ojo o la obra maestra Kairo (cuyo remake Mensajes del mas Allá es un bodrio) podemos ver la constante paranoia de los japoneses con respecto a la tecnología, el impacto de esta en su cultura y la alineación que provoca en sus individuos, es por eso que no es casualidad que los elementos básicos de estos films sean los fantasmas, que son una referencia a lo antiguo. Computadoras, teléfonos, videos, etc. Que son la conexión con nuestro presente. Y las víctimas que en general desaparecen del mundo y que nos habla de como cada quien vive en sus asuntos, su mundo, sin prestar atención a los demás.


Actualmente es poco común ver una película de horror que posea un comentario social que, aunque muy japonés en su narrativa y estilo tiene una base universal. Ademas en el proceso nos asusta bastante.

Para información sobre qué películas de este genero (y mas asiáticos) son las mejores les recomiendo las paginas Kung Fu Cult Cinema y Snowblood Apple. Yo personalmente les recomiendo Kairo y Cure de Kiyoshi Kurosawa, Ringu, A Tale of Two Sisters, Ju-On, El Ojo y Acacia.


Nota: Todas las imágenes fueron tomadas de la pagina Snowblood Apple

Paprika
Director: Satoshi Kon
Escritor: Seishi Minakami
Voces: Megumi Hayashibara, Tôru Furuya, Kôichi Yamadera, Katsunosuke Hori.
Estudio: Madhouse
Duración: 90 min.

Satoshi Kon ha dirigido clásicos del Ánime como Perfect Blue, Millenium Actress y Tokyo Godfathers; ahora con Paprika explora un nuevo genero: el de la Ciencia Ficción.

DC Mini es un aparato que permite a la gente ver y participar en los sueños de otro individuo. Cuando varios de estos artefactos son robados alguien empieza a invadir ilegal y arbitrariamente los sueños de otros, causando trastornos en la mente de las víctimas. Luego por alguna razón los sueños empiezan a cruzar hacia la realidad.

Paprika al igual que Mind Game demuestra el ilimitado ingenio que puede plasmarse en la animación, sin embargo esta película tiene una narrativa muchos menos fracturada y abstracta que sin querer en las situaciones mas inverosímiles funciona en su contra por el cambio drástico de tono. Estamos hablando de un film que habla de los sueños y a la ves hace un paralelismo explícito entre ellos y el cine, cosa que deleitara a los cinéfilos y tal ves cambie ciertas percepciones hacia las películas.

Ver Paprika fue una experiencia vigorizante, llena de fantasía, suspenso, comedia y un aprecio por los recuerdos y los sueños que muchos tenemos, y que en ocasiones el cine ayuda a cumplir y construir.


Eso fue lo que vi el pasado sábado en el Centro de las Artes. Realmente recomiendo a la gente que si se entera de esto eventos, ¡asista!; se descubren nuevas películas que realmente motivan a buscar nuevos films. Por mi parte quede tan encantado de ver tanto cine original que saliendo de ahí me fui corriendo a ver Watchmen. Esperen la reseña pronto.

Nota: Aqui les dejo los trailers de las películas comentadas:

MINDGAME
CATSOUP
DEAD LEAVES
WALTZ WITH BASHIR
PAPRIKA

Vicky Cristina Barcelona

Sensualmente apasionante.

Realmente cada que veo un producto diferente de Woody Allen sigo pensando que no voy a ver algo mejor de el, y muchas veces me equivoco como en esta película, después del gran éxito de Match Point y su indiferente Scoop, nos topamos con la ultima de su trilogía de películas con su nueva musa Scarlett Johansson. Y he de decir que es una maravilla de película.

Dicho Film cuenta la historia de 2 chicas estadounidenses extremadamente atractivas; Vicky y Cristina (Rebecca Hall y Sacrlett Joansson) que llegan a Barcelona de viaje y conocen a un Pintor Juan Antonio (Javier Bardem) el cual las seduce a ambas y comienza una relación en diversos grados de amor y sexo, Vicky esta comprometida,pero su aventura con él le hace reflexionar, Cristina por otro lado es una mujer mas liberal que gusta de las aventuras y de los retos, y mantiene una empatia casi perfecta con Juan Antonio. Pero las cosas no quedan ahí, todo cambia cuando la esposa de Juan Antonio, Maria Elena (Penélope Cruz) llega de improviso a su antigua casa.

Esta Película es una comedia romántica, llena de seducción y pasión, con encantadoras mujeres y unas actuaciones muy buenas, realmente Woody Allen saca el mejor provecho de ellos. Y podemos decir que es el segundo aire de este gran director Norteamericano. 100% recomendable.

Escrito por Joaquín Loustaunau.

Una de las características que mas me llamaron la atención la primera vez que vi Oldboy, en la ultima función alrededor de las 11 de la noche de nuestro Cinepolis local, fue la musica tan expresiva que acompañaba a las imagenes impactante de Park Chan-wook. Old boy es un pelicula construida como una especie de comic/cuento/fabula (eso si, hiper violenta) y utiliza musica que va del emlodramatico extremo a la accion e introspeccion.

Pero suficiente del parloteo, si les gusto la pelicula probablemente les guste este soundtrack asi que bajenlo ya!

Oldboy Original Soundtrack

“Esto es lo que las películas hacen mejor. Existir en una especie de sueño donde nada es “real” mas que la experiencia de ver la película en si.”

Leyendo el blog del editor de Roger Ebert, Jim Emerson; me encontré con un muy interesante articulo sobre visión y relación entre las películas y la realidad, tema que creo que es uno de los mas grandes obstáculos que enfrenta el publico masivo al momento de juzgar o experimentar un film. Tomado de la mano de este concepto de la realidad entran factores como la verosimilitud, probabilidad y posibilidad de los eventos en una película, pero no nos aceleremos que estas palabras por si solas, presentan muchos argumentos y posibilidades en la apreciación de este medio.

Fue mi maestro de Apreciación Cinematográfica a quien primeramente escuche declarar de forma contundente, como todo medio visual, sea televisión, fotografía, cine etc, no es realidad; incluso comento, si recuerdo bien, que documentales y noticieros no representan realidad; el menciono que estos medios de transmisión son simplemente interpretaciones de la realidad. Es fácil imaginar como Chicas Pesada, Dr. House o una fotografía editada en Photoshop es solo una representación de la realidad, a fin de cuentas son productos que han sido modificados y creados basandose en la imaginación de una o varias personas, ¿Pero como entran las noticias o los documentales en este aspecto al no ser productos de ficción?; la respuesta es mas que obvia pero si bien no muy fácil de concretar. Todo lo que vemos en un noticiero paso por un delicado proceso de selección, organización y edición para poder presentarse al mundo y el mismo proceso se aplica en un documental, así finalmente obtenemos un producto contextualizado de acuerdo a los parámetros de un hombre o empresa. Una representación de lo que fue o es real.

Después de la diarrea verbal nos vamos con nuestro amado cine y una pregunta importante, ¿Porque tendemos a juzgar a una película de acuerdo a si es “realista” o no? El cine es un medio artístico y sin embargo se han dividido en categorías ciertos estilos como lo surrealista o lo abstracto, tal ves con el propósito de identificar un producto con mayor facilidad, pero al hacer esto negamos las cualidades y posibilidades que una película por ejemplo, a color y contextualizada en un suburbio de clase alta en el siglo XXI pueda tener solo porque no fue hecha en los años 20’s, en Alemania y en blanco y negro.

El medio de la imagen en movimiento ofrece un infinidad de posibilidades ya que mezcla elementos de otras artes colectivamente creando una nueva forma de expresión, es ahí donde debemos ser abiertos a las posibilidades del cine y no sentirnos intimidados cuando algo “no realista” sucede; dejemos respirar al arte y encontrar su propia voz y declaración. Herramientas para demostrar la validez de un film hay muchas, una de ellas siendo la coherencia, pero al mismo tiempo entendamos que esos dos términos: Validez y Coherencia a la hora de analizar una película, son subjetivos.

Asi que al final, ¿Que importa si John Mclaine no pudo haber sobrevivido el aventarse de un edificio, ¿Que importa si todo fue un sueño, o un flash antes de morir, o una proyección subliminal? Que importa si Angelina Jolie puede disparar balas que siguen una trayectoria curva? ¿Que importa si hay o no un fauno que te espera en el bosque? ¿Que importa si hace mucho tiempo en una galaxia lejana se partían la cara con sables de luz? ¿Que importa si el Guasón aparece en todos lados en todo momento? ¿Que importa si es posible que la muerte se nos aparezca y nos rete a un partido de ajedrez? ¿Y que importan millones de ejemplos mas? ¿los vemos porque son realistas? o tal ves nos dicen algo, o nos hacen sentir de algún modo que simplemente en este mundo no podemos comprender sin ayuda del cine.

Termino con una observación de Roger Ebert sobre el final de Taxi Driver:

“La secuencia final se desarrolla como música, no drama: Completa la historia a un nivel emocional, no literal”

Aquí les dejo un link al articulo que inspiro esta entrada. Y aquí uno al blog de Jim Emerson

P.D. Si, hice demasiadas preguntas, pero también de eso se trata el cine, crear o mostrar preguntas e intentar encontrar las respuestas.