El primer corto de David Lynch

SIX MEN GETTING SICK (SIX TIMES)

Director: David Lynch
Año: 1966

El primer cortometraje del director David Lynch, una animación un tanto extraña que nos muestra mediante figuras abstractas, a 6 hombres sufriendo de una enfermedad estomacal, desde el inicio de esta, hasta las consecuencias en las que termina, acompañado de un sonido continuo (lo que se llama loop), de una sirena de ambulancia; y este proceso es repetido 6 veces a lo largo el film.

El cortometraje es una excelente expresión del dadaísmo, corriente que se enfoca en el rechazo absoluto de toda tradición o esquema predeterminado, y por la cual se inclina mucho este director, mostrándonos a seis hombre representados tan solo por cabezas con expresiones diferentes cada una, complementándose mediante líneas e imágenes de sistemas digestivos; cuando por otro lado la enfermedad es representada mediante figuras y colores contrastantes, recreando a esta mediante movimientos, dándonos a notar el sufrimiento de los personajes sin que estos tengan un cambio en su fisionomía. Sin duda alguna Lynch logra emitir sensaciones de malestar, incomodidad y confusión, consiguiendo que el espectador tenga cierta conexión con las imágenes, no por lo estilístico si no por lo que causa verlas.

Como complemento, cabe mencionar que en 1967 la intención de David Lynch, fue crear una pintura que fuera más allá, que tuviera movimiento y sonido, algo muy similar a lo que ahora se llama video arte. La proyección de este cortometraje en un concurso de pintura y escultura, no solo lo hizo acreedor del premio ganador, si no que logro llamar la atención del público, y así comenzar con su ya tan reconocida carrera fílmica.

Seis hombres se enferman seis veces, un pequeño film que puede no ser el agrado de muchas personas, pero el cual llamara la atención y especulación de quien lo observe.

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Casshern (2004)

AVENTURA/TOKUSATSU
JAPON
Director: Kazuaki Kiriya
Editor: Kazuak Kiriya
Escritores: Kazuaki Kiriya
Cinematografía: Kazuaki Kiriya
Música: Shirô Sagisu
Elenco: Yusuke Iseya, Kumiko Asô, Akira Terao, kanako Higuchi, Jun Kaname

Siguiendo aquella regla no escrita por la cual los Animes (animación japonesa) deben tener un historia incoherente y llena de agujeros, llega Casshern, adaptacion de la serie animada setentera del mismo nombre, para ponerles en la madre a todos con un relato incongruente y al borde de la locura; pero para sorpresa mía el filme no me desagrado, aunque llega un momento en el que uno debe decidir si rendirse al desmadre narrativo, la orgía visual y el drama excesivo o si mejor mandarlo al demonio.

La historia... Dios! la historia. ¿Que les puedo decir? Es el futuro o algo así, Japón ha conquistado Europa pero sigue habiendo guerra; Tetsuya por pinche necio decide ir a combatir mientras su madre esta moribunda (aunque se ve muy bien) y su padre el Dr. Azuma esta obsesionado con una tecnología que permite regenerar músculos. Esta tecnología se la vende al gobierno para obtener financiación usando la guerra como pretexto pero lo único que le interesa es usarla para curar a su esposa. Luego un rayo cae, unos cadáveres se regeneran y reviven, se hacen llamar neo-humanos, Tetsuya muere, es revivido y se le da un traje para sus habilidades sobrehumanas (ah porque la tecnología de su padre no solo regenera músculos sino que los hace mas chingones) y a partir de ahí se empieza a hacer un desmadre, medio se intenta darles dimensión a los personajes secundarios y hay explosiones y lagrimas por doquier; todo envuelto en un bonito mensaje de tolerancia, entendimiento y respeto. ¡Vamos! tomemonos de la mano y hagamos un circulo.

Lo que realmente destaca de Casshern son sus visuales. Filmada del mismo modo que 300, Capitán Sky y el Mundo del Mañana y Sin City, el mundo fantasioso, utópico y “alienigena” de Casshern es interesante desde un punto de vista estético; tenemos bosques con luciérnagas, ciudades industriales, jardines de ensueño y aldeas en blanco y negro (Sepa la chingada porque) ninguno de los lugares tiene un explicación, ni un concepto realista sobre su imagen, no como James Cameron clama que Pandora si esta basada en conceptos evolutivos y alienigenas “realistas, sin embargo es hipnótico y la imaginación o convicción de la dirección supera los obstáculos de un presupuesto obviamente no en competencia con el de Hollywood.

Casshern es un anime con actores reales; así de sencillo puede llegar a describirse. Si, el concepto de Anime viene de animación por lo tanto si hay actores en ves de dibujos técnicamente no puede llamarse Anime. Mi punto es que todos esos elementos que veían en sus caricaturas de la infancia los verán aquí: los saltos y las carreras que duran una eternidad, las rayitas en el fondo cuando alguien se mueve muy rápido, súper poderes y un chingo de escenas bien dramáticas. Kazuaki Kiriya, director de videos musicales, tiene talento para construir secuencias emocionantes y con un buen momentum dramático pero no posee la habilidad de crear una historia fantástica coherente de mas de 2 horas. Si checan los créditos verán que realmente no hay nadie mas a quien culpar mas que a el por lo bueno y lo malo,

Así que tenemos visuales espectaculares, ingenio en la presentación de los mismos y secuencias inspiradas. Una cosa mas es notoria, la actuación de Akira Terao como el Dr. Azuma, el científico de algún modo culpable de todo es magnifica. Su personaje no es muy original pero es innegable que es el mejor desarrollado del filme y su convicción, empatía y fotogénia hacen que Casshern casi alcance esa dimensión dramática y moralista que pretende. Casi.

Al final no se puede discutir que Casshern es un mafufadota. Realmente es la película con mas agujeros en la historia que jamas haya visto, es larga, y su total valemadrismo para hacer claras las cosas es, de cierto modo, hasta admirable en su desfachatez. No es una buena película en términos realistas pero creo que como producto original de una cultura lejana basada en las animaciones que mucha gente vivió en su infancia, es una curiosidad digan de buscarse y verse por sus momentos inspirados y su estilo visual.

Mas fácil, vean el trailer y decidan si les convence a pesar de los comentarios hechos.

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Tierra de Zombies (2009)

COMEDIA-HORROR
U.S.A.
Titulo Original: Zombieland
Director: Ruben Fleischer
Editor: Alan Baumgarten
Escritores: Rhett Reese & Paul Wernick
Cinematografía: Michael Bonvillain
Música: David Sardy
Elenco: Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin

Tierra de Zombies es exactamente lo que esperas de una película con un titulo así. No tiene caso comentar sus atributos narrativos o “artísticos” pues es un filme que se apoya en un premisa básica, y si han visto por lo menos un película sobre zombies saben de que va. Humanidad es infectada por virus, población se vuelve loca, furiosa y hambrienta así que son “tipo” zombies; Columbus (Jesse Eisenberg) cree que él es el único sobreviviente de la tierra hasta que encuentra al talentoso chinga-zombies Tallahassee (Woody Harrelson) y a la par de estafadoras Wichita y Little rock (no son sus verdaderos nombres) y juntos tiene que ir a algún lado por alguna razón. La verdad ya lo olvide.

Como dicen por ahí; lo importante no es el destino sino el viaje y la existencia de Zombieland se basa totalmente en esa afirmación. Acabo de ver la película hace media hora y no recuerdo el porque de la mayoría de sus acciones, es decir que prácticamente desconozco el propósito de la película pero la verdad eso me vale madres; es divertida, tiene secuencias muy memorables, y algo que siempre es importante, tiene personajes entrañables y simpáticos. Estos 4 nos caen bien, son chistosos, ingenuos, medio cabronsitos de repente, pero el tono es tan ligero y accesible que uno los termina amando. Muchas películas de horror de verdad no hacen ni esto bien, y realmente es muy importante; que Zombieland sea tan disfrutable no es solo por los chistes, es porque la gente que los dice o los vive son agradables.

Woody Harrelson es memorable como el mata zombies estrella; su personaje seguro se convertirá en clásico dentro del genero Horror-Comedia así como Bruce Campbell en la serie Evil Dead. Es gracioso, accesible, tierno, la historia le proporciona la humanidad necesaria para relacionarse con el; y sus one-liners y su irracional adicción por los Twinkies lo terminan por convertir en un chingon adorable. Jesse Eisenberg, realmente nuestro protagonista, también es genial; con una variación de su personaje teto e inadaptado (como en Adventureland) nos da el centro de atención de la película y la introducción al mundo devastado por los zombies. La química entre el y Harrelson es fluida y natural.

Para los fans de este genero la verdad no hay pierde; podrán reconocer tanto los homenajes como las burlas hacia las películas de zombies existentes desde 1968 e incluso, aunque la película no esta dirigido a un publico maduro, tendrán su dosis de gore en los créditos iniciales y variedad en las maneras de despachar a los infectados.

Zombieland por supuesto no es perfecta. Como la primera película de Ruben Fleischer se sienten los defectos de no tener realmente una historia y pequeñas escenas que salen de ningún lado y no sirven para nada; incluso fracasando al provocar carcajadas, mas bien sacandonos sonrisas. Pero en un filme como Zombieland estos efectos son lo que llamaríamos relleno. Los momentos inspirados, como el uso de cámara lenta extrema al inicio y secciones al final, y la forma de presentar las reglas para sobrevivir un Apocalipsis causado por zombies con todo y letreritos explicativos en pantalla, son suficientes para conquistarnos y sentir a Zombieland como una comedia fresca y entrañable.

Zombieland obviamente no es una gran película, pero es divertidisima y a veces, solo a veces; eso es lo único que necesitamos.

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OBSERVADOR OCULTO (2005)

THRILLER
U.S.A.
Titulo Original: Caché
Director: Michael Haneke
Editor: Michael Hudecek, Nadine Muse
Escritores: Michael Haneke
Cinematografía: Christian Berger
Música: NO HAY
Elenco: Daniel Auteuil, Juliette Binoche, Maurice Bénichou, Lester Makedonsky, Walid Afkir

Caché as un rompecabezas en el cual la misma esperanza de obtener una respuesta es ambigua. Haneke mismo en la entrevista incluida en el DVD toma gran placer en observar las dudas y teorías de los espectadores, e incluso trata de confundirnos mas, comentando aspectos interesantes del filme de una forma muy superficial, solo dando pistas a las posibilidades sugeridas de forma confusa.

No hablaré mucho de la trama pues en este filme lo que sucede no es tan importante como la observación que nosotros mismos hacemos de los eventos. Rara ves una película nos envuelve a tal nivel que el espectador se vuelve pieza clave para descubrir los misterios del problema. Aquí no van encontrar narraciones explicativas, montajes finales de flashbacks y musiquita emocionante como en la serie de Saw, aquí las cosas suceden y no lo podemos entender del todo pero nos inquieta lo suficiente como para intentar averiguar que pasa; y no solo se trata de esperar a que nos pongan la respuesta en bandeja de plata para poder decir orgullosamente “¡A huevo! Ya lo sabia.” tenemos que analizar cada elemento de los cuadros que nos muestran, el orden en el que aparecen, que escena sigue después de esta y cual le precedió, porque fue ese orden y no otro. Afortunadamente el director es lo bastante seguro de su material, y nos da tanta responsabilidad, que no tiene miedo de sostener planos por mas tiempo del ordinario (por lo menos para los estándares actuales de Hollywood) y de acomodar personajes y elementos potencialmente importantes en lugares inusuales obligándonos a observar exhaustivamente cada imagen, como debería de ser.

Tomemos el inicio de Caché, donde vemos un lindo, armonioso y cotidiano encuadre de la puerta delantera de una casa en la calle. La imagen yace ahí fija mientras todos los créditos iniciales aparecen sobre ella. Podemos pensar que lo que vemos es una fotografía pero de repente un hombre pasa caminando y nos damos cuenta estamos viendo una imagen en movimiento, luego se escuchan unas voces en off expresando preocupación, la imagen repentinamente se empieza a mover mas rápido y podemos ver las típicas rayas blancas que salían en los videos VHS cuando se rebobinaban o adelantaban. En este poco rato y con un solo plano Haneke ya desafió nuestras expectativas de hacernos creer ver una fotografía a revelar que es, de hecho, un video a finalmente distorsionar nuestra realidad y ponernos en otro plano totalmente y, por consiguiente, en otro contexto. Esto es algo que el director también manejo en Funny Games pero aquí es de un modo mucho mas sutil e inquietante, pues la percepción de “nuestra” realidad o la realidad de los personajes o la realidad mostrada por la TV, es constantemente re-contextualizada en momentos inesperados.

Plano inicial

Georges (Daniel Auteuil) y Anne (Juliette Binoche) están muy incómodos pues nos enteramos que la imagen que vimos al inicio es de un video dejado enfrente de su casa anónimamente y que el lugar encuadrado en el video es efectivamente su hogar. Alguien estuvo grabándolos durante horas y ellos, en su rutina diaria, no pudieron ver cámara alguna que lo hiciera. Los videos continúan llegando con dibujos aparentemente infantiles de un niño escupiendo sangre y al inicio se teoriza que puede ser una broma de un amigo de su hijo (Pierrot) pero eventualmente se revela que el “observador oculto” tiene conocimiento de la vida pasada de Georges. Juliette Binoche, esa maravillosa actriz, brinda una interpretación poderosa llena de nerviosismo por su familia e incertidumbre por la situación, desconfiada de lo que Georges le cuenta y le esconde pero, en un momento podemos ver que Anne también tiene secretos importantes de su parte, aparentemente tangenciales a la trama principal; aun así tal revelación nos obliga a re-analizar y desconfiar un poco de lo que vimos antes. Daniel Auteuil actúa de una forma mas reservada pues su personaje lo requiere. El también esta lleno de miedo y de nerviosismo por la situación pero a diferencia de la incertidumbre de la esposa, presentimos que su mayor temor viene de la seguridad del quien y la causa. O tal ves no. Tal ves realmente solo tiene una idea pero no este seguro. Tal ves nada es seguro y por eso cuando se nos revela al supuesto responsable de los videos, la verdad es que sin evidencia muy clara, creemos en su inocencia. No es que la película provoque esto, simplemente al verlo y escucharlo los percibimos honesto.

Ambigüedad y percepción.

Haneke se caracteriza por el ritmo lento en todos sus filmes y Caché no es la excepción. Este ritmo incrementa el agobio, la angustia y el nerviosismo en una situación que evidentemente esta afectando los cánones de la cotidianidad pero cuya causa no es posible entender. El constante uso del color rojo, en momentos clave también causa una inquietud psicológica y atmosférica notoria. La atención, dependencia y precisión en el uso de la imagen como tal es magnifica. Esta elegante aproximación hace totalmente inesperada una escena importantísima que no tengo temor en declarar como una de las mas impactantes que he visto en el cine

Caché juega con expectativas, con el tiempo y la realidad, con pistas falsas, verdaderas y acontecimientos que, como en nuestra vida real, a veces no tiene una explicación o una razón lógica, o lo que nosotros podemos considerar lógico. Es un increíble filme que crea un mundo absorbente pero que no puede ser completado sin nuestra participación activa. Esto no se trata solo de ver luces brillantes como en el Pandora de Cameron, sino en tomar los 118 minutos de Caché y pensar como se extienden, de que forma se desarrollarían, cuando uno no esta viendo. Amo este tipo de filmes.

El plano final es igual en estilo al del inicio solo que ahora vemos la salida de la escuela de Pierrot, lo vemos durante tal ves 3 minutos mientras los alumnos salen y, si observamos muy bien pues no es muy evidente, podremos ver como 2 personajes que no deberían conocerse entre ellos, lo hacen. ¿De que forma modifica o confirma lo que nosotros habíamos pensado antes? Esa ya es su tarea pues los créditos ya empezaron.

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Un Verano Memorable (2009)

DRAMA/COMEDIA
U.S.A.
Titulo Original: Adventureland
Director: Greg Mottola
Editor: Anne McCabe
Escritores: Greg Mottola
Cinematografía: Terry Stacey
Música: Yo La Tengo
Elenco: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Ryan Reynolds, Bill Hader, Kristen Wiig

Aquí hay una joya de este 2009 que para muchos, incluyéndome, paso desapercibida. Tal ves fue el letrerote que decía del director de Supercool (Superbad) y cuando los distribuidores mexicanos vieron que en su manos tenían un película que no era ni muy graciosa, nada escatológica y mas inteligente y contemplativa de lo que ellos creyeron el publico joven necesitaba, se espantaron y decidieron hacerse gueyes, perdiendo la noción de que este es el tipo de película mas necesaria para el grupo demográfico al que está dirigido: jóvenes inteligentes. (Supercool incluso llegaba a tener estas características pero las vulgaridades graciosas despistaban).

James Brennan (Jesse Eisenberg, carismático y torpe) es un chico ambicioso y muy inteligente al que le ha costado trabajo tener una relación significativa. Cuando su padre es cambiado de posición en la empresa por uno de menor estatus, el viaje de graduación de James y sus planes de hacer un pos-grado son puestos en jaque; esto lo obliga a aceptar cualquier trabajo que pueda durante el verano y, como estudiante de literatura renacentista sus talentos o mas bien su presencia, es solo requerida en un parque de diversiones donde conoce y se enamora de Emily (Kristen Stewart, bellísima pero sin mucho rango emocional)

Toda la simple premisa sobre historia de maduración y amor verdadero (o necesario) esta envuelta en un contexto interesante. El año es 1987; Reagan tiene al país en perpetuo estado de “todo esta bien” aunque podemos ver repercusiones en la economía que afecta a varios personajes y los afectan seriamente; sus familias y sus futuros están en juego. Los problemas de la vida real se incrementan y se vuelven agobiantes, el desencanto y la tristeza es parte de sus prospectos y lo único que pueden hacer con su tiempo es estar en un parque de diversiones, símbolo de alegría y diversión para aquellos que lo visitan pero no para quienes trabajan ahí. Además de nuestros protagonistas estan Ronnie (Ryan Reynolds contemplativo e intrigante) quien trabaja en mantenimiento y supuestamente es un músico talentoso que, eso si, es bueno para ponerle el cuerno a la esposa; y Joel (Martin Star) quien esta deprimido y triste porque es feo pero nada tonto; y no, no es el típico nerd “listo”, el realmente es un personaje culto y consciente que simplemente no es muy agraciado físicamente.

Estos personajes ven sus vidas pasar sin poder hacer mucho entre los problemas económicos, familiares, de sus vidas sentimentales y su misma apatía. Los recursos comunes del filme son el parque, la marihuana, el trabajo y el sexo. Ninguna de estas es manejada como simple instrumento de desmadre o de circunstancia, todos funcionan como analogías de decisiones y estados mentales por los que atraviesan estos chavos. Todos están atorados y no ven como escapar. Algunos ni siquiera piensan en como hacerle.

Supercool era brillantemente vulgar y escatológica al extremo, y eso a veces puede hacer que nos olvidemos de su ritmo deliberadamente lento que lograba desarrollar y contextualizar a sus 2 protagonistas. Adventureland deja a un lado el humor burdo y casi en su totalidad la comedia para una anécdota mas sutil y dramática con personajes entrañables y complejos; estos chavos universitarios tiene problemas de verdad pero la película goza de un equilibrio que propone problemas serios a la ves que los define como serios para la edad y el momento en el que sus personajes los viven. Es decir les da su lugar sin elevarlos al nivel de tragedia excesiva. Esta es una gran lección tomada de las películas ochenteras de John Hughes como El Club de los Cinco y La Chica de Rosa, ademas de que implementa el tradicional arquetipo de “Los papas no saben ni entienden ni madres”. Lo acepto, porque en ocasiones todos hemos pensado lo mismo y es admirable que la película no sataniza ni ridiculiza a los padres a pesar de esta tendencia.

La película describe las alegrías y tropezones de la juventud y como tal no puede estar exenta por completo de comedia. Cuando esta llega, lo hace en pequeños pedazos que se sienten mas genuinos por ser modestos en su presentación que puede ser chusca o incomoda pero siempre encantadora.

Adventureland es una película tan rica en significados que es sorprendente. Todo implica y denota algo mas de su apariencia física: Los lugares, los sucesos que pasan en el fondo (políticos, económicos) y personajes que creemos saber como se desenvolverán pero terminan siendo gratamente mas intrigantes de lo que estábamos esperando. Eventualmente los siempre entrañables e inolvidables conceptos del amor y la superación tienen que hacer su aparición, pero esto no es sentimentalismo ni manipulación barata, mas bien siempre estuvieron ahí; después de todo, los únicos 2 personajes que se ven felices todo el tiempo son aquellos que se tienen el uno para el otro (Administradores del parque Paulette y Bobby).

Podríamos decir que al final Adventureland cae en el habitual terreno de lo inspirador y lo idealista; pero cuando un filme es así de entretenido y genuino, creo en el.

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LA HORA 25 (2002)

DRAMA
U.S.A.
Titulo Original: 25th Hour
Director: Spike Lee
Editor: Barry Alexander Brown
Escritores: David Benioff
Cinematografía: Rodrigo Prieto
Música: Terence Blanchard
Elenco: Edward Norton, Philip Seymour Hoffman, Barry Pepper, Rosario Dawson, Anna Paquin, Brian Cox.

La Hora 25 es una de las mejores películas que he visto en la vida. Durante aproximadamente 24 horas vemos a Montgomery (Edward Norton) un ex-drug dealer vagar rincones de Nueva York, disfrutando su ultimo día de libertad antes de cumplir 7 años en una prisión por los crímenes naturalmente relacionados con su “profesión”. En el proceso intenta reconectarse con sus dos viejos amigos, su padre y descubrir si su querida novia lo traiciono o no. Si creen que esto suena como un drama común y ya hasta prevén los procesos que se desarrollaran serán gratamente sorprendidos. Este es un filme tan épico y humano que es francamente increíble que tantos sentimientos se aborden de manera directa e indirecta, por medio de metáforas y verosimilitud plena en solo 2 horas 15 minutos.

Jacob (Philip Seymour Hoffman) esta triste de que Monty vaya a la cárcel pero al parecer esta mas triste de la distancia que se ha formado entre ellos dos, sin embargo se mantiene optimista antes las prospectivas y sabe, o por lo menos de eso se quiere convencer, de que estará ahí para su amigo. Mientras tanto encuentra comfort en un trabajo que no lo llena del todo en las emociones sentimentales que le produce una de sus alumnas (Anna Paquin). Frank (Barry Pepper) esta enojado con Monty, lo extraña y le enfurece el punto al que ha llegado por sus acciones y esconde lo confundido que esta en su fachada de galán, mujeriego y en la cantidad considerable de dinero que posee. Naturelle (Rosario Dawson) esta confundida. Ama a su novio y no entiende la distancia y estoicismo en su actitud cuando solo le quedan unas pocas horas de libertad. Monty solo vaga, recordando el pasado en compañía de un fiel perro que, se nos informa al inicio, rescató de la muerte y que ahora siempre esta a su lado. Tenemos la impresión de que gran dolor y arrepentimiento hay dentro de el, que la furia y tristeza en su interior se pelean para encontrar un significado de todo y en todo.

Como pueden ver en la portada, en la que solo figura Edward Norton, la historia es y gira alrededor de Monty, pero Spike Lee y su escritor David Benioff, son tan pero tan buenos para espaciar diálogos, secuencias y para combinar conflictos que cada uno de los 6 personajes notorios de la película es construido en un individuo vivo, complejo y atrayente. Gracias a las actuaciones de este gran elenco, estos personajes cobran una trascendencia inmensa no solo para la historia sino para el espectador. Hipnóticos encuadres acompañan diálogos poderosos y, cuando la historia lo requiere, Lee adopta métodos estilizados para mostrar los conflictos internos de los personajes en escenas de una belleza metafísica que plasma de forma honesta sueños, anhelos y decepciones. Como la escena en la que Jacob y Frank hablan de las ultimas horas de Monty recargados en una ventana donde se pueden ver los escombros de las torres gemelas (11/9 es un tema de suma importancia en el filme). Esta escena, la cual dura varios minutos, es un plano secuencia que luce las habilidades histriónicas de los actores y nos agobia con la exasperante realidad de la ciudad y de estas personas. Su simpleza y fuerza es una cosa de suma belleza. Por otro lado tenemos el soliloquio de Monty, quien al ver un “Fuck you!” en el espejo de un baño publico comienza un monologo en contra de todas las etnias de Nueva York, sus amigos e incluso la iglesia y Jesucristo, para desembocar en la dura revelación que todos hemos afrontado en alguna ocasión de que la fuente de nuestros problemas no esta tan lejos. La intensidad de Norton, la fotografía super saturada, cortesía del genial Rodrigo Prieto y la mezcla entre comedia y tragedia social nos ponen en el mismo trance que Monty: “¡Chingense todos! Chingome yo”.

Algunos pueden juzgar a La Hora 25 como una película muy gringa y pues simple y sencillamente no lo es. Es una película muy norteamericana definitivamente pero, si el contexto social se ve solo desde la superficie cometeremos el error de juzgar la chilloneria de un país cuando lo que se intenta hacer es mostrar la relación vital entre ser y entorno. Podrá no ser nuestro entorno pero, las repercusiones fueron universales y los conflictos internos que nos definen muchas veces pueden ser tan únicos como identificables en todas las personas.

El filme llega a su climax en la fiesta de despedida de Monty donde, revelaciones cruciales llegan, el alcohol se mezcla y palabras y acciones vuelan con honestidad, impulsividad, peligro y una trascendencia innegable. Después de esto Lee nos transporta a un mundo añorado que mas de una persona que conozco ha mal interpretado como una mafudada ñoñera, cobarde e idealista, siendo que todo lo contrario es lo que se ha logrado. La Hora 25 es una obra maestra que jamas perderá su fuerza y su efecto.

“This life came so close... To never happening”

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SHERLOCK HOLMES (2009)

AVENTURA
U.S.A.
Director: Guy Ritchie
Editor: James Herbert
Escritores: Michael Robert Johnson y Anthony Peckman y Simon Kinberg
Cinematografía: Philippe Rousselot
Música: Hans Zimmer
Elenco: Robert Downey Jr., Jude Law, Rachel McAdams, Mark Strong, Eddie Marsan

Sherlock Holmes pretende ser entretenimiento puro y casi llega a lograrlo. Pero no del todo. Si alguien me preguntara que director me parecía correcto para hacer una nueva versión de Sherlock Holmes jamas hubiera pensado en Guy Ritchie (Snatch, Rock-an Rolla). No estoy familiarizado con las anécdotas del detective mas que en sus puntos mas básicos, pero incluso para alguien como yo es evidente que este Sherlock Holmes no es el mismo que se creo en 1887. Eso no es algo malo pero si es un aspecto que los puristas pueden tomar incluso como ofensa.

En fin, lo primero que tengo que decir es que la historia de Sherlock Holmes es absurda y floja. Por favor no empiecen con argumentos como “Es una película palomera la historia es lo de menos” No estaba esperando una película de Costa-Gavras pero para una película cuyo único propósito es entretener, bueno... Sherlock Holmes tiene una historia chafa. (Escribiré mas al respecto de este tema en un comentario futuro aquí en el Blog)

Lord Blackwood (Mark Strong, totalmente desperdiciado) será colgado después de ser capturado por Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) y el Dr. Watson (Jude Law) por practicar magia negra y asesinar a 5 jovencitas. Blackwood le advierte a Holmes que “La muerte es solo el inicio” y que regresara de los muertos algo que al detective le vale madres francamente. Holmes a la ves esta pasando por una crisis porque Watson se ira de su casa para vivir con su prometida. Finalmente todo se complica mas cuando la profecía de Blackwood se hace realidad y su cadáver desaparece.

Me gusta este Sherlock Holmes. Me gusta Robert Downey Jr. Es un actor con un carisma incontenible y que tiene el poder de inyectar vida a toda una película con su sola presencia. Su interpretación de Holmes esta llena de detalles chuscos, sarcásticos además de que le agrega una notoria agilidad física sin perder el ingenio y la sagacidad que siempre ha caracterizado al personaje. Pero me es inevitable pensar que, a pesar de mi poco conocimiento sobre el icónico personaje de Arthur Conan Doyle, realmente no estaba viendo una película sobre Sherlock Holmes. Es como cuando viendo la nueva versión de Starsky & Hutch (2004) pensaba “Esto no se parece a Starsky & Hutch”

Esta nueva versión de Sherlock Holmes tiene serios problemas. Una trama excesivamente complicada pero nada envolvente combinado con tiempo de duración excesivo (128 minutos) para el material disponible caen pesados y acercan al espectador peligrosamente al territorio de la aburrición; esto es algo que los Blockbusters de ahora de plano no saben medir. No saben cuando decir basta y comienzan a perder a su publico cuando lo entretenido se convierte en imagen y acción circunstancial agobiante.

Pero entonces regresamos con Downey Jr. Puedo decirles con toda franqueza que considero esta película como buena y la recomiendo basándome simple y sencillamente en su carisma y actuación. Si, la dirección conserva la estilización snatchesca de Guy Ritchie pero su uso es mucho mas moderado y nos brinda escenas emocionantes, trepidantes y muy divertidas. Su Londres es un lugar muy envolvente e interesante, cosa que me sorprendió ya que la mayoría es creado con CGI; esto también habla de una buena dirección e inmersión por parte de los creadores. El juego de interacción entre Watson y Holmes es fantástico, en cualquier momento en que los dos están juntos la pantalla se enciende con risas, diálogos ingeniosos y acción explosiva. Esta es una de las películas que he visto últimamente que usan mas el slow-motion y francamente, es que su integración en la historia se siente un poco desconcertarte pues no parece cuadrar ni con la mitología y contexto del personaje, ni con las mismas situaciones pero, ¿Saben que? Adoro el slow motion y el director se da vuelo mostrando cuerpos volando por los aires, caras golpeadas, huesos rotos y explosiones. Esto es acción bien dirigida, limpia y sin pretensiones.

Sherlock Holmes es divertida. Podría serlo mas si hubieran usado una historia mas congruente y entretenida, y si le hubieran rebajado 20 o 30 minutos pero cuanto esta encendida, esta que arde y solo por el protagonista vale la pena verla para pasar un rato placentero.

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