Si me siguen por Twitter o Facebook saben que para mi, Michael Clayton es uno de los mejores thrillers legales que han salido en, por lo menos, los últimos 10 años. Es una fantástica película y su soundtrack lo es también. Sin contar con melodías demasiado características o notorias, pues no es el tipo de película que las requiera su música crea atmósferas y sentimientos sutiles muy interesantes. El ultimo track "25 Dollars Worth" es singularmente afectiva y dramática.
DRAMA E.U.A. Titulo Original: Public Enemies Director: Michael Mann Editor: Jeffrey Ford, PaulRubell Escritores: Michael Mann & Ann Biderman y Ronan Bennett Cinematografía: Dante Spinotti Música: Elliot Goldenthal Elenco: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Jason Clarke, David Wenham, Stephen Dorff, Billy Crudup.
Enemigos Públicos es un filme impecablemente elaborado desde un punto de vista técnico. Michael Mann es un maestro en su medio en la elaboración de kineticas y realistas secuencias de acción o suspenso, como lo demostró en Fuego Contra Fuego (1995), El Informante (1999) y Colateral (2004). Pero esas películas superan a su nueva Biopic gangsteril porque proporcionan dramas envolventes, personajes definidos e historias con arcos narrativos interesantes. Es mas, dejémoslo en que tienen arcos narrativos pues Enemigos Públicos no muestra ningún interés, ni pista, ni alusión a la razón de las acciones del notorio roba bancos John Dillinger y las personas que lo rodeaban. Es evidente que hay un lugar en el que tenia que terminar la historia pero no en donde comenzaría, ¿Porque? pues simplemente porque el objetivo es mostrar una serie de incidentes repetitivos en donde Johnny Depp puede verse muy cool (Y entiendan señoritas que lean esta reseña, se ve y actúa muy cool), y Christian Bale pueda dar una mas de sus actuaciones estoicas que lo caracterizan en sus trabajos comerciales.
Dillinger fue notorio por su carisma. Por ser una especie de Robin Hood de la post-depresión que simple y sencillamente hacia lo que quería y, según el filme, quería obtener todo en ese preciso instante. En el proceso se gano el respeto y la admiración del publico ya que nunca atento contra la vida ni los ahorros del hombre común. Fue un símbolo de la rebeldía norteamericana que al mismo país tanto le gusta explotar. El problema es que después de dos horas y media no recibirán mas información ni un percepción mas profunda de lo que acabo de comentar. Parece que Mann solo dice “Así esta la onda y ahora vean como puedo hacer que todo se vea igual de bonito que en los años 30’s” Y si, la película se ve impecable desde cualquier punto de vista; ya que por un lado tenemos los escenarios brillantemente recreados y encuadrados, y por otro tenemos los rostros de Bale, Depp y Cotillard en extreme close-up durante la mayoría de la película. Todo es muy hermoso de ver para el publico.
El problema es que debajo de todo esto no hay nada. Acepto que ningún director esta obligado a darnos mas información pues el define su propia aproximación al material. No era obligatorio que el filme fuera un análisis psicológico de John Dillinger; bien pudo haber sido una clásica y sencilla película de policías y ladrones. Sin embargo Mann intenta hacernos sentir empatía por el roba bancos, una empatía que a veces quisiera sugerir que lo conocemos mas de lo que realmente se nos ha ofrecido o dado la oportunidad. Depp es un actor increíblemente carismático, pero aquí es solo una estrella de rock intercambiando one-liners de película de forma monótona mientras conserva la sonrisa galanezca en su cara que hace que millones de mujeres se derritan por el. Es un póster (Y de hecho uno de los pósters de la película es así) pero nada mas. No hay justificación para la duración de dos horas y media. Al final si uno se pregunta o se pone a hacer un recuento de los eventos claves, los plot points de la película, se dará cuenta de que son casi inexistentes o de que los pocos que hay se repiten constantemente.
Dicho todo esto no puedo negar que hay escenas con una visceralidad, una fluidez y una energía intoxicante que, por momentos, realmente le mete emoción a lo que es en general un filme frío y distante. Una persecución en el bosque, los robos, el escape de la prisión y la ultima escena de Dillinger son verdaderos testimonios del control de Mann y de la fuerza del cine. Por un momento nos hacen pensar que estamos viendo una película mucho mas emocionante, apasionante y deslumbrante de lo que en realidad es.
WESTERN E.U.A. Titulo Original: High Noon Director: Fred Zinnemann Editor: Elmo Williams Escritores: Carl Foreman Cinematografía: Floyd Crosby Música: Dimitri Tiomkin Elenco: Gary Cooper, Grace Kelly, Lloyd Bridges, Katy Jurado.
Hay dos imágenes constantes en este Western minimalista: un reloj que amenazadoramente nos informa de la llegada del tren del medio día; y el rostro angustiado y cansado del Sheriff Will Kane (Gary Cooper) luchando con demonios internos jamas explícitamente explicados, pero sugeridos en sus acciones y en su mirada perdida.
Kane acaba de contraer matrimonio con Amy (Grace Kelly) y es su ultimo día como Sheriff. Los preparativos para que ambos se marchen del pueblo están casi listos, pero entonces Kane es informado que un delincuente que encerró hace años fue liberado y regresará en el tren de las 12 de la tarde para saldar cuentas con el. Nadie en el pueblo quiere al viejo Sheriff ahí cuando el tren llegue; ni el mayor, ni sus amigos, ni su esposa, ni su antigua amante. Solo y abatido Kane decide afrontar su responsabilidad sin el apoyo de nadie; tal vez por un sentido estricto del deber, o por decepción ante el sistema de justicia que dejó al criminal libre, o tal ves para proteger a su nueva esposa de ser perseguidos. Tal ves tenga algo que demostrarse a si mismo. Tal ves es solo un viejo terco y orgulloso.
La riqueza de esta película yace en la infinidad de lecturas que se pueden dar de las acciones del personaje de Gary Cooper, y en la declaración mucho mas extensa, de un Estados Unidos individualista, temeroso y que prefiere dar la espalda a los suyos en tiempos de necesidad. El universo es el árido pueblo. La Amenaza proviene de las vías que se extienden hasta el horizonte, y la salvación es un alma cansada que deambula por el pueblo en busca de ayuda y probablemente entendimiento de sus propias acciones.
A La Hora Señalada ha sido denominado como un Western-Noir por su fotografía en blanco y negro altamente contrastada, inusual en el genero; por la carencia de secuencias de acción mas que en el duelo final, y por la introspección de sus personajes. Gary Cooper hace un trabajo admirable como Kane; transmitiendo una gama de emociones de ambiguo significado en una sutil y sincera interpretación. Lo apoyan Grace Kelly, que en toda honestidad no tiene mucho que hacer, Lloyd Birdges como un joven ambicioso pero egoísta y la mexicana Katy Jurado, como una mujer fuerte y sagaz.
Con la excepción de una anticlimatica y torpe pelea, el filme es técnicamente impecable y la edición, que nos muestra los hechos casi en tiempo real, cargan sus 84 minutos de duración con una tensión palpable a pesar de la cotidianidad de varios de los eventos.
A La Hora Señalada es uno de los mas singulares Westerns que he visto, lo cual lo convierte en una vista obligada para los fans del genero. Su intensa narrativa lineal, diseño visual, atención a personajes y el simbolismo de la situación general que, si bien ya puede sentirse pasada de moda en este momento, fue muy significativa en la década de los 50, lo convierten en un filme inusualmente rico y disfrutable, que va mas allá de los convencionalismos de otro tipo de películas de vaqueros light.
HORRO/THRILLER E.U.A. Titulo Original: The Last House on the Left Director: Dennis Iliadis Editor: Peter McNulty Escritores: Adam Alleca y Carl Ellsworth Cinematografía: Sharone Mier Música: John Murphy Elenco: Tony Goldwyn, Monica Potter, Sarah Paxton, Garret Dillahunt, Michael Bowen, Riki Lindhome, Martha MacIsaac.
Last House on the Left (No la llamare por su estúpido titulo en español) es una película perturbadora, absorbente, explotadora, gráfica, excesiva, elegante, incomoda y tensionante. Es un muy buen filme cuya premisa se basa en los conceptos de la violencia y la retribución, y cuya narrativa hace gran uso del Deus Ex Machina para sostener su historia estilo fábula. Y es que eso es lo que básicamente es, pues esta basada en una canción suiza de la edad media que narra los eventos que realmente sucedieron en el pueblo de Malmskogen. Una jovencita es brutalmente violada y asesinada en el bosque por unos delincuentes. Mas tarde ellos buscan refugio en una casa, donde resulta están los padres de su reciente víctima. Ellos se dan cuenta de quienes son las personas que hospedan y deciden planear su venganza.
El gran Ingmar Bergman filmo esta historia tal y como se narra en la canción en The Virgin Spring (1960). En el 72 Wes Craven la adapto a un contexto contemporáneo y mucho mas violento, dejando a un lado los cuestionamientos religiosos y adoptando únicamente la idea de la retribución sangrienta como consecuencia de la violencia inherente en los seres humanos. Pero esa fue una película mala. Ahora Wes Craven produce y pone al griego Dennis Iliadis a dirigir un remake del remake de Craven, una ves mas sin realizar cambios muy grandes a la premisa básica.
La versión de los 70`s era muy independiente y burda en su aspecto visual, lo cual le daba cierta autenticidad y visceralidad, pero también era amateur en su dirección y demasiado malévola en todos los actos que se presentaban. El objetivo se perdía en los excesos. La nueva versión sabe como construir tensión por medio de un lenguaje cinematográfico profesional y técnicamente impresionante; sabe crear drama con interpretaciones intensas y realistas, y sabe llenar las obviedades e inverosimilitudes de su historia, así como complementar los convencionalismos del genero con diálogos bien escritos. El director juega con ciertos elementos clásicos del genero de horror contemporáneo y nos engaña haciéndonos creer que esta será una película típica. Esta versión es mas calculada e inteligente en su presentación. La setentera era mas directa y cruda.
Admito que me es difícil recomendar una película así, sobretodo en esta temporada de blockbusters, cuando se que el contenido es gráfico, angustioso y doloroso de ver. No, no es tan violenta como la versión de Craven, pero aun así no escatima en la intensidad y en la forma inquebrantable de mostrar los hechos monstruosos que los delincuentes realizan, poniendo al espectador en una situación incomoda.
Después tenemos nuestra “recuperación” cuando los padres empiezan su venganza pues, tanto ellos como nosotros buscamos algún pago por los actos cometidos en la primera mitad. Esta parte de la película es mas propia de un típico filme de genero en atmósfera y situaciones, pero aun así consigue incrementar la tensión a niveles altos, siempre gracias a la mano segura de Iliadis que evita modas como cámaras epilépticas o brincos baratos y mejor utiliza magníficamente el espacio de la casa en penumbras con excelentes movimientos y posicionamientos de cámara.
Finalmente podría hablarles de la “moraleja” de la película, pero ciertamente en esta versión no es necesaria aceptarla. El mensaje ahí esta, y es bastante obvio desde la sinopsis así que, o les gusta o les parecerá una excusa barata para mostrar violencia. Sinceramente mi posición es neutra porque la película sí tiene momentos, principalmente en la escena final que, sencillamente, no debería existir de ese modo, en la que pareciera inclinarse a la segunda razón. Pero la calidad de la producción, realización y de todos los elementos sensoriales que conforman un filme están en el lugar correcto.
Hasta ahorita Last House on the Left es lo mejor que he visto este verano. Si pueden aguantar este tipo de material, la recomiendo ampliamente.
COMEDIA/DRAMA E.U.A. Titulo Original: Full Frontal Director: Steven Soderbergh Editor: Sarah Flack Escritores: Coleman Hough Cinematografía: Steven Soderbergh (como Peter Andrews) Música: Jacques Davidovici Elenco: Blair Underwood, Catherine Keener, Mary McCormack, David Hyde Pierce, Julia Roberts, Nicky Katt, Enrico Colantoni.
Steven Soderbergh es un director admirable. Mientras que puede ganar la Palma de Oro en el festival de Cannes con Sexo, Mentiras y Video (1989) puede hacer hits comercialisimos como la serie de Ocean’s (2001, 2004, 2007), o ganar el Oscar con Trafico (2000), o proyectos personales y ambiciosos como Che (2008), e incluso pequeñas películas experimentales como Bubble (2005) o la reciente The Girlfriend Experience (2009) con la actriz porno Sasha Grey. Podemos entender entonces que Soderbergh es un hombre que genuinamente ama el cine; que está dispuesto a correr riesgos y que no quiere encasillarse en un solo genero, estilo o industria; por eso muchas estrellas trabajan con el por un sueldo mínimo.
Lamentablemente Todo al Descubierto, que entra en la categoría de filme experimental Soderberghriano y que tiene un elenco muy amplio de actores en roles y cameos, es un total fracaso. Una pretenciosa visita al mundo de Hollywood durante un día en el que se nos muestra el drama de varios personajes que se encuentran ligados al mundo de la farándula. O por lo menos eso se supone que cuenta, ya que a través de una estructura caótica de una película dentro de una película (y tal ves esta dentro de otra película) con todo y narraciones en off, solo se conforma un desmadre de situaciones que el espectador está obligado a armar y darle significado. Como si hubiera alguno en primer lugar.
Ok la historia de Carl (David Hyde Pierce) como un esposo cuya vida en su totalidad es un asco y Linda (Mary McCormack) como una masajista en Hollywood que busca al “hombre indicado” son medio envolventes; principalmente por el gran trabajo y la naturalidad con la que los actores abordan sus roles; pero no hay objetivo, no hay catarsis, no hay relación entre sus dramas y la estructura narrativa del filme salvo algunas coincidencias superficiales. El resto de las historias son una aburrición; particularmente la de un actor que interpreta a Hitler (Nicky Katt) y la de Underwood y Roberts en su mezcolanza de ¿Es película o ficción? ¿Porque debería de importarme?
Un aspecto interesante es que Soderbergh graba todo con cámara digital, exceptuando las escenas de la película que Julia Roberts y Blair Underwood están grabando que son en 35 mm. Al mismo tiempo su estilo de encuadrar y filmar las escenas es desordenado y espontáneo lo que le da una vibra mas natural y cercana a la realidad al filme. Este efecto es arruinado por la exageración de ciertos personajes y por la combinación de irrelevancia y ponderación.
Como un joven que ama el cine, realmente admiro lo que Soderbergh hizo en esta película desde un punto de vista monetario y creativo. Siguió sus ideas sin importarle nada y nos mostró un filme que realmente parece planeado en un fin de semana y filmado en 2 semanas. ¿Pero que paso con el contenido? Yo realmente no se de que trata esta película, no hay un inicio ni un final, solo empieza y termina. Supongo que es una sátira por la burla directa hacia los hermanos Weinstein, pero no puedes solamente planear una serie de sketchs disque burlandote de Hollywood, poner a varios actores muy buenos y unir sus situaciones con una voz en off y esperar una buena película. Robert Altman entendió esto cuando hizo The Player (1992).
Steven Soderbergh es un muy buen director, vean cualquiera de sus películas menos Todo al Descubierto.
Hola a todos y bienvenidos al Blog de cine: Cinefílicos.
Estuvimos bastante tiempo sin actualizar y por eso les pedimos disculpas, la realidad es que varios motivos y ocupaciones nos sacaron de la jugada por un buen rato, pero el amor por el cine sigue ahí.
Así que regresamos con nuevo diseño, con encuestas, trailers, notícias y sobretodo, con reseñas. Ese es el nuevo objetivo principal de Cinefílicos, reseñar las películas que vemos, amamos y odiamos para su información. No se hagan güajes y comenten, discutan, reclamen y expliquenos porque estamos en lo correcto o en lo incorrecto en la sección de comentarios cada que opinemos sobre algún filme, si se arma una discusión no se espanten, parte del placer de ver películas es platicarlas.
El podcast esperamos regrese pero por lo pronto no podemos asegurar nada. Mientras tanto cargaremos los últimos episodios que grabamos. Esto puede llevar tiempo ya que el servidor donde los teníamos valió madres así que no desespéren.
Ahora si, atasquense de cine.
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