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sábado, 22 de agosto de 2009

Si me siguen por Twitter o Facebook saben que para mi, Michael Clayton es uno de los mejores thrillers legales que han salido en, por lo menos, los últimos 10 años. Es una fantástica película y su soundtrack lo es también. Sin contar con melodías demasiado características o notorias, pues no es el tipo de película que las requiera su música crea atmósferas y sentimientos sutiles muy interesantes. El ultimo track "25 Dollars Worth" es singularmente afectiva y dramática.



MICHAEL CLAYTON SOUNDTRACK

sábado, 25 de julio de 2009
DRAMA
E.U.A.
Titulo Original: Public Enemies
Director: Michael Mann
Editor: Jeffrey Ford, PaulRubell
Escritores: Michael Mann & Ann Biderman y Ronan Bennett
Cinematografía: Dante Spinotti
Música: Elliot Goldenthal
Elenco: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Jason Clarke, David Wenham, Stephen Dorff, Billy Crudup.


Enemigos Públicos es un filme impecablemente elaborado desde un punto de vista técnico. Michael Mann es un maestro en su medio en la elaboración de kineticas y realistas secuencias de acción o suspenso, como lo demostró en Fuego Contra Fuego (1995), El Informante (1999) y Colateral (2004). Pero esas películas superan a su nueva Biopic gangsteril porque proporcionan dramas envolventes, personajes definidos e historias con arcos narrativos interesantes. Es mas, dejémoslo en que tienen arcos narrativos pues Enemigos Públicos no muestra ningún interés, ni pista, ni alusión a la razón de las acciones del notorio roba bancos John Dillinger y las personas que lo rodeaban. Es evidente que hay un lugar en el que tenia que terminar la historia pero no en donde comenzaría, ¿Porque? pues simplemente porque el objetivo es mostrar una serie de incidentes repetitivos en donde Johnny Depp puede verse muy cool (Y entiendan señoritas que lean esta reseña, se ve y actúa muy cool), y Christian Bale pueda dar una mas de sus actuaciones estoicas que lo caracterizan en sus trabajos comerciales.

Dillinger fue notorio por su carisma. Por ser una especie de Robin Hood de la post-depresión que simple y sencillamente hacia lo que quería y, según el filme, quería obtener todo en ese preciso instante. En el proceso se gano el respeto y la admiración del publico ya que nunca atento contra la vida ni los ahorros del hombre común. Fue un símbolo de la rebeldía norteamericana que al mismo país tanto le gusta explotar. El problema es que después de dos horas y media no recibirán mas información ni un percepción mas profunda de lo que acabo de comentar. Parece que Mann solo dice “Así esta la onda y ahora vean como puedo hacer que todo se vea igual de bonito que en los años 30’s” Y si, la película se ve impecable desde cualquier punto de vista; ya que por un lado tenemos los escenarios brillantemente recreados y encuadrados, y por otro tenemos los rostros de Bale, Depp y Cotillard en extreme close-up durante la mayoría de la película. Todo es muy hermoso de ver para el publico.


El problema es que debajo de todo esto no hay nada. Acepto que ningún director esta obligado a darnos mas información pues el define su propia aproximación al material. No era obligatorio que el filme fuera un análisis psicológico de John Dillinger; bien pudo haber sido una clásica y sencilla película de policías y ladrones. Sin embargo Mann intenta hacernos sentir empatía por el roba bancos, una empatía que a veces quisiera sugerir que lo conocemos mas de lo que realmente se nos ha ofrecido o dado la oportunidad. Depp es un actor increíblemente carismático, pero aquí es solo una estrella de rock intercambiando one-liners de película de forma monótona mientras conserva la sonrisa galanezca en su cara que hace que millones de mujeres se derritan por el. Es un póster (Y de hecho uno de los pósters de la película es así) pero nada mas. No hay justificación para la duración de dos horas y media. Al final si uno se pregunta o se pone a hacer un recuento de los eventos claves, los plot points de la película, se dará cuenta de que son casi inexistentes o de que los pocos que hay se repiten constantemente.


Dicho todo esto no puedo negar que hay escenas con una visceralidad, una fluidez y una energía intoxicante que, por momentos, realmente le mete emoción a lo que es en general un filme frío y distante. Una persecución en el bosque, los robos, el escape de la prisión y la ultima escena de Dillinger son verdaderos testimonios del control de Mann y de la fuerza del cine. Por un momento nos hacen pensar que estamos viendo una película mucho mas emocionante, apasionante y deslumbrante de lo que en realidad es.




lunes, 20 de julio de 2009
WESTERN
E.U.A.
Titulo Original: High Noon
Director: Fred Zinnemann
Editor: Elmo Williams
Escritores: Carl Foreman
Cinematografía: Floyd Crosby
Música: Dimitri Tiomkin
Elenco: Gary Cooper, Grace Kelly, Lloyd Bridges, Katy Jurado.

Hay dos imágenes constantes en este Western minimalista: un reloj que amenazadoramente nos informa de la llegada del tren del medio día; y el rostro angustiado y cansado del Sheriff Will Kane (Gary Cooper) luchando con demonios internos jamas explícitamente explicados, pero sugeridos en sus acciones y en su mirada perdida.

Kane acaba de contraer matrimonio con Amy (Grace Kelly) y es su ultimo día como Sheriff. Los preparativos para que ambos se marchen del pueblo están casi listos, pero entonces Kane es informado que un delincuente que encerró hace años fue liberado y regresará en el tren de las 12 de la tarde para saldar cuentas con el. Nadie en el pueblo quiere al viejo Sheriff ahí cuando el tren llegue; ni el mayor, ni sus amigos, ni su esposa, ni su antigua amante. Solo y abatido Kane decide afrontar su responsabilidad sin el apoyo de nadie; tal vez por un sentido estricto del deber, o por decepción ante el sistema de justicia que dejó al criminal libre, o tal ves para proteger a su nueva esposa de ser perseguidos. Tal ves tenga algo que demostrarse a si mismo. Tal ves es solo un viejo terco y orgulloso.

La riqueza de esta película yace en la infinidad de lecturas que se pueden dar de las acciones del personaje de Gary Cooper, y en la declaración mucho mas extensa, de un Estados Unidos individualista, temeroso y que prefiere dar la espalda a los suyos en tiempos de necesidad. El universo es el árido pueblo. La Amenaza proviene de las vías que se extienden hasta el horizonte, y la salvación es un alma cansada que deambula por el pueblo en busca de ayuda y probablemente entendimiento de sus propias acciones.


A La Hora Señalada ha sido denominado como un Western-Noir por su fotografía en blanco y negro altamente contrastada, inusual en el genero; por la carencia de secuencias de acción mas que en el duelo final, y por la introspección de sus personajes. Gary Cooper hace un trabajo admirable como Kane; transmitiendo una gama de emociones de ambiguo significado en una sutil y sincera interpretación. Lo apoyan Grace Kelly, que en toda honestidad no tiene mucho que hacer, Lloyd Birdges como un joven ambicioso pero egoísta y la mexicana Katy Jurado, como una mujer fuerte y sagaz.

Con la excepción de una anticlimatica y torpe pelea, el filme es técnicamente impecable y la edición, que nos muestra los hechos casi en tiempo real, cargan sus 84 minutos de duración con una tensión palpable a pesar de la cotidianidad de varios de los eventos.

A La Hora Señalada es uno de los mas singulares Westerns que he visto, lo cual lo convierte en una vista obligada para los fans del genero. Su intensa narrativa lineal, diseño visual, atención a personajes y el simbolismo de la situación general que, si bien ya puede sentirse pasada de moda en este momento, fue muy significativa en la década de los 50, lo convierten en un filme inusualmente rico y disfrutable, que va mas allá de los convencionalismos de otro tipo de películas de vaqueros light.

jueves, 2 de julio de 2009

HORRO/THRILLER
E.U.A.
Titulo Original: The Last House on the Left
Director: Dennis Iliadis
Editor: Peter McNulty
Escritores: Adam Alleca y Carl Ellsworth
Cinematografía: Sharone Mier
Música: John Murphy
Elenco: Tony Goldwyn, Monica Potter, Sarah Paxton, Garret Dillahunt, Michael Bowen, Riki Lindhome, Martha MacIsaac.


Last House on the Left (No la llamare por su estúpido titulo en español) es una película perturbadora, absorbente, explotadora, gráfica, excesiva, elegante, incomoda y tensionante. Es un muy buen filme cuya premisa se basa en los conceptos de la violencia y la retribución, y cuya narrativa hace gran uso del Deus Ex Machina para sostener su historia estilo fábula. Y es que eso es lo que básicamente es, pues esta basada en una canción suiza de la edad media que narra los eventos que realmente sucedieron en el pueblo de Malmskogen. Una jovencita es brutalmente violada y asesinada en el bosque por unos delincuentes. Mas tarde ellos buscan refugio en una casa, donde resulta están los padres de su reciente víctima. Ellos se dan cuenta de quienes son las personas que hospedan y deciden planear su venganza.

El gran Ingmar Bergman filmo esta historia tal y como se narra en la canción en The Virgin Spring (1960). En el 72 Wes Craven la adapto a un contexto contemporáneo y mucho mas violento, dejando a un lado los cuestionamientos religiosos y adoptando únicamente la idea de la retribución sangrienta como consecuencia de la violencia inherente en los seres humanos. Pero esa fue una película mala. Ahora Wes Craven produce y pone al griego Dennis Iliadis a dirigir un remake del remake de Craven, una ves mas sin realizar cambios muy grandes a la premisa básica.

La versión de los 70`s era muy independiente y burda en su aspecto visual, lo cual le daba cierta autenticidad y visceralidad, pero también era amateur en su dirección y demasiado malévola en todos los actos que se presentaban. El objetivo se perdía en los excesos. La nueva versión sabe como construir tensión por medio de un lenguaje cinematográfico profesional y técnicamente impresionante; sabe crear drama con interpretaciones intensas y realistas, y sabe llenar las obviedades e inverosimilitudes de su historia, así como complementar los convencionalismos del genero con diálogos bien escritos. El director juega con ciertos elementos clásicos del genero de horror contemporáneo y nos engaña haciéndonos creer que esta será una película típica. Esta versión es mas calculada e inteligente en su presentación. La setentera era mas directa y cruda.

Admito que me es difícil recomendar una película así, sobretodo en esta temporada de blockbusters, cuando se que el contenido es gráfico, angustioso y doloroso de ver. No, no es tan violenta como la versión de Craven, pero aun así no escatima en la intensidad y en la forma inquebrantable de mostrar los hechos monstruosos que los delincuentes realizan, poniendo al espectador en una situación incomoda.


Después tenemos nuestra “recuperación” cuando los padres empiezan su venganza pues, tanto ellos como nosotros buscamos algún pago por los actos cometidos en la primera mitad. Esta parte de la película es mas propia de un típico filme de genero en atmósfera y situaciones, pero aun así consigue incrementar la tensión a niveles altos, siempre gracias a la mano segura de Iliadis que evita modas como cámaras epilépticas o brincos baratos y mejor utiliza magníficamente el espacio de la casa en penumbras con excelentes movimientos y posicionamientos de cámara.

Finalmente podría hablarles de la “moraleja” de la película, pero ciertamente en esta versión no es necesaria aceptarla. El mensaje ahí esta, y es bastante obvio desde la sinopsis así que, o les gusta o les parecerá una excusa barata para mostrar violencia. Sinceramente mi posición es neutra porque la película sí tiene momentos, principalmente en la escena final que, sencillamente, no debería existir de ese modo, en la que pareciera inclinarse a la segunda razón. Pero la calidad de la producción, realización y de todos los elementos sensoriales que conforman un filme están en el lugar correcto.

Hasta ahorita Last House on the Left es lo mejor que he visto este verano. Si pueden aguantar este tipo de material, la recomiendo ampliamente.

lunes, 29 de junio de 2009
COMEDIA/DRAMA
E.U.A.
Titulo Original: Full Frontal
Director: Steven Soderbergh
Editor: Sarah Flack
Escritores: Coleman Hough
Cinematografía: Steven Soderbergh (como Peter Andrews)
Música: Jacques Davidovici
Elenco: Blair Underwood, Catherine Keener, Mary McCormack, David Hyde Pierce, Julia Roberts, Nicky Katt, Enrico Colantoni.


Steven Soderbergh es un director admirable. Mientras que puede ganar la Palma de Oro en el festival de Cannes con Sexo, Mentiras y Video (1989) puede hacer hits comercialisimos como la serie de Ocean’s (2001, 2004, 2007), o ganar el Oscar con Trafico (2000), o proyectos personales y ambiciosos como Che (2008), e incluso pequeñas películas experimentales como Bubble (2005) o la reciente The Girlfriend Experience (2009) con la actriz porno Sasha Grey. Podemos entender entonces que Soderbergh es un hombre que genuinamente ama el cine; que está dispuesto a correr riesgos y que no quiere encasillarse en un solo genero, estilo o industria; por eso muchas estrellas trabajan con el por un sueldo mínimo.

Lamentablemente Todo al Descubierto, que entra en la categoría de filme experimental Soderberghriano y que tiene un elenco muy amplio de actores en roles y cameos, es un total fracaso. Una pretenciosa visita al mundo de Hollywood durante un día en el que se nos muestra el drama de varios personajes que se encuentran ligados al mundo de la farándula. O por lo menos eso se supone que cuenta, ya que a través de una estructura caótica de una película dentro de una película (y tal ves esta dentro de otra película) con todo y narraciones en off, solo se conforma un desmadre de situaciones que el espectador está obligado a armar y darle significado. Como si hubiera alguno en primer lugar.


Ok la historia de Carl (David Hyde Pierce) como un esposo cuya vida en su totalidad es un asco y Linda (Mary McCormack) como una masajista en Hollywood que busca al “hombre indicado” son medio envolventes; principalmente por el gran trabajo y la naturalidad con la que los actores abordan sus roles; pero no hay objetivo, no hay catarsis, no hay relación entre sus dramas y la estructura narrativa del filme salvo algunas coincidencias superficiales. El resto de las historias son una aburrición; particularmente la de un actor que interpreta a Hitler (Nicky Katt) y la de Underwood y Roberts en su mezcolanza de ¿Es película o ficción? ¿Porque debería de importarme?

Un aspecto interesante es que Soderbergh graba todo con cámara digital, exceptuando las escenas de la película que Julia Roberts y Blair Underwood están grabando que son en 35 mm. Al mismo tiempo su estilo de encuadrar y filmar las escenas es desordenado y espontáneo lo que le da una vibra mas natural y cercana a la realidad al filme. Este efecto es arruinado por la exageración de ciertos personajes y por la combinación de irrelevancia y ponderación.

Como un joven que ama el cine, realmente admiro lo que Soderbergh hizo en esta película desde un punto de vista monetario y creativo. Siguió sus ideas sin importarle nada y nos mostró un filme que realmente parece planeado en un fin de semana y filmado en 2 semanas. ¿Pero que paso con el contenido? Yo realmente no se de que trata esta película, no hay un inicio ni un final, solo empieza y termina. Supongo que es una sátira por la burla directa hacia los hermanos Weinstein, pero no puedes solamente planear una serie de sketchs disque burlandote de Hollywood, poner a varios actores muy buenos y unir sus situaciones con una voz en off y esperar una buena película. Robert Altman entendió esto cuando hizo The Player (1992).

Steven Soderbergh es un muy buen director, vean cualquiera de sus películas menos Todo al Descubierto.



jueves, 25 de junio de 2009

ACCIÓN
E.U.A.
Titulo Original: Transformers: Revenge of the Fallen
Director: Michael Bay
Editor: Tom Muldoon, Paul Rubell, Roger Barton.
Escritores: Roberto Orci & Alex Kurtzman
Cinematografía: Ben Seresin
Música: Steve Jablonsky
Elenco: Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, Tyrese Gibson, John Turturro, Ramon Rodriguez, Julie White, Kevin Dunn


Para ser honesto, podrían leer mi reseña de la primera Transformers y con la excepción de ciertos datos únicos de la primera cinta, aplicaría perfectamente a la secuela: La Venganza de los Caídos. Esta película es, una ves mas, un ejemplo del exceso de Bay y una fiel creyente de que mas es mejor. Desafortunadamente eso no es verdad.

Ahora, quiero aclarar que no odio a Michael Bay. Considero que es talentoso en su estilo de cine y para mi, La Roca es una grandiosa película de acción, La Isla tiene momentos muy buenos y Armageddon es una completa y rotunda estupidez que entretiene increíblemente.

No entrare en esos detalles básicos para que un filme sea bueno, como historia, personajes e inteligencia, ya que Transformers 2, por mas que lance bombas de humo tratando de agregar estos elementos, no los tiene. Como muchos han dicho, esta película es sobre acción, entretenimiento y destrucción.

Las buenas noticias es que Bay si hizo caso a las criticas sobre lo incomprensible de las peleas entre robots del primer filme y modifico su estilo en ciertas secuencias de acción en esta ocasión. Su cámara en ocasiones, se ha vuelto un poco mas sofisticada, menos mamila, no intenta llamar la atención tanto a lo que hace sino a lo que esta tomando (que es lo importante) y eso me permitió disfrutar las secuencias de acción, en general, mas. Particularmente una climática y emocional pelea en el bosque que llega poco antes de la mitad de la película y que es, definitivamente, uno de los mas brillantes avances técnicos que ha logrado el director.


¿Pero que creen? A la película después de esto todavía le quedan como 80 minutos. ¡80 minutos! No entiendo el afán de haber filmado una película de 2 horas y media. Es incomprensible. Estamos hablando de un filme sin historia, sin personajes, sin nada valido, interesante y la verdad no muy gracioso que decir; agregamos que en realidad solo hay 3 secuencias de acción: la primera en Shanghai que sirve como introducción, la ya mencionada en el bosque y el largo final en Egipto, donde las pirámides son fastidiadas por todos: Robots, militares gringos y John Turturro; y realmente 150 minutos es demasiado tiempo para una película de este tipo.


Esta secuencia final continua y continua y continua hasta que ya no te importa. Hay algo que se llama momentúm que es lo que produce la emoción de las secuencias. Las explosiones son padres e impresionan, y si están bien filmadas, te ponen al filo de tu asiento, pero si no hay ritmo y emoción, es simplemente ruido.

Se Busca (Timur Bekmambetov, 2008) fue una excesiva película que duraba solo 110 minutos, y no escatimo en violencia, explosiones y Angelina Jolie. Ese fue un gran filme de acción porque unió sus excesos en una trama sencilla pero envolvente y con una duración aceptable. No hay nada de grasa, solo puro y divertido entretenimiento.

Bay hunde su propia película arruinando el ritmo frenético que debería tener, con exposición aburrida y con comedia idiota y, peor aun, reciclada (como casi todo lo demás) de películas anteriores suyas. Tal ves ese sea mi problema, que he visto demasiadas películas del director y ya nada me sorprende; pero creo que después de 12 años no esta mal esperar que un director se re-invente.

¿Entonces que ofrece Transformers 2? Muchas chavas super sexies. Como 30 minutos de acción disfrutable, dos o 3 chistes buenos entre los 50, y como 50 robots. Cosa que realmente solo sirve para aumentar el caos. Hubo un momento durante la batalla final en que noté que uno de los robots era mujer y pensé “ Ah mira, hay un robot que es mujer, eso esta interesa... Ups ya la mataron “.

Transformers 2 será una de las películas mas taquilleras del año, y a mucha gente le encantará, a mi solo me ofreció una hora de puro entretenimiento, y eso es menos de la mitad de lo que debería.



lunes, 22 de junio de 2009

ACCION
E.U.A.
Director: Michael Bay
Editor: Tom Muldoon, Paul Rubell y Glen Scantlebury
Escritores: Roberto Orci & Alex Kurtzman
Cinematografía: Mitchell Amundsen
Música: Steve Jablonsky
Elenco: Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, Tyrese Gibson, John Turturro, Jon Voight, Rachael Taylor.


Lo mas sorprendente que se puede decir de Transformers es que es aburridisima en ciertas partes, y digo que esa es la sorpresa porque sabemos que en una película de Michael Bay, las explosiones y los efectos especiales mas modernos serán una constante siempre.

No dedicare tiempo a hablar de la historia porque seguramente la mayoría ya la conocen y los que no, probablemente no les importa; solo diré que tenemos al geek encantador (Shia LaBeouf) a la súper mami sexy que por supuesto no es nada superficial e incluso tiene una historia (mas bien un evento) que la hace “trágica” (Megan Fox) a un Secretario de Defensa tarado (Jon Voight) a los militares mameys y galanes (Josh Duhamel y Tyrese Gibson) y mi favorita: La hacker mas buena y sexy que haya visto en mi vida (Rachael Taylor).

Se lo que piensan. Nada de eso suena mal pero, la realidad es que todos esos elementos no nos importan, lo que queremos ver es a los robots computarizados pelearse y destruir cosas. Es una lastima que la mayoría de la película se concentre en los aburridos personajes humanos y en su desarrollo y caracterización que, al final, suman absolutamente a nada.

Tampoco podemos olvidar los estereotipos raciales y además, Bay es tan abusado que hasta se burla de su audiencia objetivo, poniendo a un gordito que graba los explosivos acontecimientos que se desarrollan a la mitad de la película mientras grita “fuego, fuego, fuego, pum pum”.


Pero hey! ¿Por lo menos tenemos acción no?, cualquier diría que es ridículo buscar algo mas en Transformers así que, dejemos que Michael haga lo suyo and let’s blow shit up!.

Pero entonces me pregunto porque si Bay es un experto en secuencias de acción le cuesta tanto trabajo encontrar un encuadre congruente en este filme. Quiero ver robots rompiéndose la cara el uno al otro así que echa la cámara para atrás y ¡déjame verlo! No me interesa ver masas amorfas de metal si no se lo que sucede. Bay quiso utilizar el feeling Cloverfield al posicionar su cámara a la altura de un ser humano emulando su percepción, por eso rara ves vemos la acción desde un punto alto y mas bien se nos muestra desde el interior de un automóvil o desde un escondite entre escombros. El efecto puede ser envolvente pero aquí se sobre usa porque no podemos ver nada. Cloverfield lo utilizo por su premisa y porque la atmósfera era mas importante que los efectos. En Transformers no hay nada mas importante que los efectos y ni siquiera los podemos apreciar bien con los encuadres utilizados, la tan de moda shacky-cam y los cortes a cada segundo. Todos estos elementos distraen en ves de atraernos.

Cuando Transformers esta al máximo, funciona muy bien. Principalmente en la escena en la que los Autobots (los buenos) llegan a la tierra, y en ciertas escenas en la larga secuencia final, el filme es emocionante e intenso; el problema es, que estas escenas están separadas por exposición inútil. No entiendo porque si Bergman podía contar una gran historia en 80 minutos, Bay necesitas 136 para darnos 20 de acción que vale la pena.

Además de la nueva duración de la segunda parte próxima a estrenarse (con 20 minutos mas), he escuchado que la dirección de Bay ha mejorado y ahora si, podremos ver las cosas con mas claridad. La verdad es que no pido nada mas.

Aun así, dos horas y media de Transformers es de cualquier modo, excesivo. Espero que por lo menos tenga un mejor ritmo que esta primera parte.



sábado, 20 de junio de 2009

DRAMA
INGLATERRA
Titulo Original: The Remains of the Day
Director: James Ivory
Editor: Andrew Marcus
Escritores: Kazuo Ishiguro (Novela) Ruth Prawer Jhabvala
Cinematografía: Tony Pierce-Roberts
Música: Richard Robbins
Elenco: Anthony Hopkins, Emma Thompson, James Fox, Christopher Reeve, Tim Pigott-Smith

Al inicio de Lo Que Queda del Día el señor Lewis (Christopher Reeve) alienta a Stevens (Anthony Hopkins) a que “salga y vea el mundo”. Stevens lleva mas de 30 años como mayordomo en esa casa. Siempre como un espectador impávido cuyo único deber “es servir y no, asentir o no asentir”

La película esta contada como flashback; en la actualidad Stevens tiene problemas con el numero de sirvientes en la casa y viaja en busca de la señora Kenton (Emma Thompson) la ama de llaves mas extraordinaria con la cual haya tenido el placer de trabajar. A partir de ahí regresamos a los años en los que se conocieron y en los que asuntos políticos importantes se llevaron a cabo en la casa. Esto fue en los años 30’s y continuó hasta el inicio de la Segunda Guerra Mundial.

Stevens es un hombre emocionalmente aislado y tal ves inmaduro. Cuando la señora Kenton se acerca para demostrarle su afecto Stevens se encorva como un niño pequeño que se siente amenazado y se aferra a su libro. Sus ojos expresan miedo ante el anhelo que, a través de los años, a entrenado para desaparecer. Su trabajo es el motivo de su existencia; la educación y la formalidad de su profesión son el mecanismo que le permite defenderse de su consciencia y sus emociones. En cada momento en el que Stevens intenta abrir su corazón rápidamente contesta o asiente con explicaciones relacionadas con su deber. Una de ellas es “un hombre no puede ser feliz hasta que no haya hecho todo lo posible por servir a su patrón”. Estos hombres no viven de ningún modo para ellos mismos. Cuando el ya mayor padre de Stevens se cae, su única preocupación es la platería que traía en una charola. Cuando su corazón falla, se aferra al carrito donde trae su trapeador, su escoba y su plumero. Cuando muere, Stevens no puede reaccionar por su deber pero, ¿No lo hace porque esta atendiendo a invitados o porque simple y sencillamente ya no puede hacerlo?


Esta es una película serena que fluye con tal naturalidad de evento a evento que al final, sentimos que hemos vivido en esa casa; entre sus entornos bellos y austeros por los cuales Stevens deambula siempre en el cumplimiento de su deber. Los invitados lo humillan, lo admiran, lo alientan a que de su opinión y a que realice cosas que no entiende del todo. No importa. Si es la voluntad de su patrón Stevens lo hará con la mayor efectividad posible.


La señora Kenton no es así. Entiende su profesión y esta orgullosa de su deber pero no puede callar sus opiniones, aunque por supuesto sabe en que momento expresarlos; es una mujer admirable. Sus sentimientos por Stevens se derivan de su respeto y de su lastima.

Emma Thompson y Anthony Hopkins hacen cosas extraordinarias con sus personajes y este es, sin duda, la mejor actuación de Hopkins. La delicadeza y torpeza de sus movimientos, su perpetua expresión melancólica, su suave voz con la que parece que habla en susurros toda la película convierten a Stevens en una de las grandes figuras trágicas del cine. Thompson tiene la habilidad de mostrar el contraste de su personaje en comparación con Stevens de forma elegante y sutil; y aun así su personaje muestra una fuerza que para Stevens debe ser envidiable y admirable. Y lo es, pues, muy a su modo, hay un momento en que expresa su amor por ella.

¿Y al final que es lo que queda? Después de mucho tiempo y eventos, personas que vinieron y fueron, Stevens continua en el mismo lugar. Lo Que Queda del Día es un poema dedicado a la vida de un hombre, a la mujer que cambia su percepción y a la obsesión del deber. Es un filme trágico, hermoso, emotivo, delicado e impactante. A Stevens nunca se le olvidará.



viernes, 19 de junio de 2009

Uno de los mejores Scores que he escuchado. Altamente recomendado.

DESCARGA AQUI

jueves, 18 de junio de 2009

HORROR
FRANCIA
Director: Alexandre Bustillo y Julien Maury
Editor: Baxter
Escritores: Alexandre Bustillo
Cinematografía: Laurent Barés
Música: François Eudes
Elenco: Béatrice Dalle, Alysson Paradis, Nathalie Roussel


À L’intérieur es una película malvada. Busca situaciones para llevar al publico al limite de la tolerancia y una ves ahí hace otra cosa que no esperábamos. Esta no es la película mas perturbadora y violenta que haya visto, pero esta cerca; su efectividad radica en una duración pequeña (79 minutos) una buena dirección y actuaciones intensas para el duelo entre los dos personajes.

Sarah (Alysson Paradis) es una amargada viuda que esta embarazada. El accidente en donde perdió a su esposo la dejo fría ante los prospectos que la vida le pudiera ofrecer, incluyendo su aun no nacido bebe. Esto causa que nos preguntemos si Sarah piensa en su hijo o solo en su propia supervivencia cuando una mujer (Béatrice Dalle) se presenta en su casa con la linda intención de sacarle al bebe de su vientre. ¿Porque no esperar hasta que nazca si al día siguiente Sarah se interna en el hospital? Tal ves sea idiotez, o tal ves la mujer quiera hacerla sufrir; ¿Importa? La verdad es que no. Todo es una excusa para causar dolor a las dos mujeres y al espectador y por lo mismo la película no esta exenta del síndrome de convencionalismos de la mayoría de los filmes de horror.


À L’interieur, a pesar del tiempo tan reducido, se toma su tiempo para establecer la situación que cargará al filme y, para sugerir ciertas aptitudes y sentimientos de las protagonistas. Es un gesto que se aprecia y definitivamente ayuda a elevar al filme sobre los típicos slashers que se han convertido mas en parodia que en película de horror. Este filme da miedo. Nos obliga a voltear la cara no solo por asco sino por temor a lo que pueda pasar.

Arriba de todo lo que he comentado está la violencia; mucha violencia. Este no es gore irreal o exagerado como el de Haute Tension (Alexandre Aja, 2003) o Frontiere(s) (Xavier Gens, 2007) esta mas apegado a lo posible y por eso es mas impactante que el de esas dos películas juntas. Eso y la forma tan contundente de mostrar crueldad en contra de una mujer que esta, muy visiblemente, embarazada.

Aunque la violencia es el ingrediente principal, y por mucho, À l’intérieur llega un poco mas allá con una energética pero elegante dirección, un buen momentúm y desarrollo de situaciones, una gran villana y por supuesto galones de sangre; además aprecio el aire de sugestión de las escenas finales con un fotografía que pasa de lo convencional a lo etéreo.

Véase bajo su propio riesgo, pero si lo que buscan es tensión, sangre y un buen ritmo en sus películas de horror, esta es una genial opción.


miércoles, 17 de junio de 2009

DRAMA
AUSTRALIA / NUEVA ZELANDA / FRANCIA
Título Original: The Piano
Director: Jane Campion
Editor: Veronika Jenet
Escritores: Jane Campion
Cinematografía: Stuart Dryburgh
Música: Michael Nyman
Elenco: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin

Hay algo armónico en la relación entre una mujer que no puede hablar y un hombre que no sabe leer. Este aspecto solo es tocado tangenciálmente en El Piano, pero habla sobre estas dos personas aisladas de alguna forma de comunicación por razones que nunca son explicadas y como a través de un ritual perverso, torpe y desesperado se acercan.

Ada (Holly Hunter) junto con su hija (Anna Paquin), quien le ayuda a comunicarse con los demás, llega a una isla para consumar su casamiento con Alisdair (Sam Neill). El no sabe como acercarse a la mujer y no parece conocerla demasiado; ella no esta contenta con la situación y menos cuando después del largo viaje, Alisdair la obliga a dejar su piano en la playa. George es un hombre ingles que por alguna razón a decidido vivir con las tribus de ese lugar y le ayuda a Alisdair a administrar las tierras de la zona. El se apiada de Ada y le ayuda a recuperar su piano. O tal ves sus intenciones son mas oscuras, o tontas, o desesperadas. No lo sabemos.

Esta es una película en la que los personajes no están explicados de forma explícita, ni sus acciones ni sus razones, y eso los convierte en individuos mas envolventes, misteriosos e interesantes de lo que estamos acostumbrados a ver. No son presentaciones de arquetipos o clichés, son seres humanos que actúan de forma extraña, a veces extrema pero nunca dudamos por algún momento el porque hacen lo que hacen, incluso si no lo entendemos del todo. Los respetamos, nos apiadamos de ellos, nos enojamos, pero queremos entender.

Superficialmente esta es una historia de amor, pero no una típica. He escuchado gente que piensa que la relación que se forma es enferma, ilógica y los personajes son desagradables. Yo no podía estar mas en desacuerdo. Esta gente esta lidiando con distintos tipos de aislamiento, en muchos casos ampliados por su propia decisión. Alisdair vive lejos y lo único que quiere es una esposa amorosa, sin embargo cuando está con Ada la ve con desdén, como una lunática; sus intentos de conversación son torpes y forzados como si realmente quisiera conectar con ella pero no está dispuesto a hacer el esfuerzo.

Jane Campion dirige con la calma y la intensidad necesaria en el momento indicado para hacer su historia resonante y poderosa. Las imágenes de esta película se graban en nuestra cabeza con una especie de belleza triste, como aquella del piano varado en la playa o la que define el destino de Ada. La música de Nyman es absolutamente hermosa y prácticamente suple los diálogos de nuestra protagonista, cuya voz solo se puede escuchar en una pequeña narración al inicio y al final.

Gente que busque explicaciones y razones “lógicas” para todas y cada una de las acciones de un filme pueden frustrarse viendo El Piano porque, la película no explica; implica, evoca, envuelve. Eso la convierte en una fascinante y bella historia de amor, y relación

Nota: El Piano ganó la Palma de Oro en Cannes junto con Adiós a Mi Concubina (Chen Kaige, 1993)


jueves, 26 de marzo de 2009
Ringu

J-horror es un termino que se utiliza para denominar a cierto tipo de films de horror de origen japonés cuyas tramas tiene elementos comunes entre si, como fantasmas denominados Yurei. Espiritus que se quedan atados físicamente a nuestro mundo debido a fuertes emociones que nos los dejan desvanecerse o irse al otro mundo o lo que sea. Por supuesto el look tradicional lo conocemos gracias a El Aro: Ropas blancas, pelo largo, lacio, negro y cubriendo toda o la mayoría de la cara; y en general son mujeres debido al misticismo y al miedo que se tenia de la figura femenina en épocas antañas en la historia de Japón.

El origen de este genero esta en las historias de fantasmas del Periodo Edo y de la Era Meiji. A estas historias se les conocía como Kaidan.

Renni

En los últimos años, debido a la creciente popularidad del cine de terror japonés, muchas de las cintas han tenido o tendrán próximamente su remake. El Aro fue una de las primeras en tener su remake americano como El Aro. Agua Turbia, Ju-on y Kairo son también ejemplos de ello.

Esta creciente popularidad ha causado una saturación inmensa que no solo se le puede culpar a los remakes gringos. La producción de este tipo de películas fue elevadisima en Japón e incluso se tomo también en países como Corea, por ejemplo con El Ojo; y Tailandia con películas como Shutter o No estamos solos ya que aseguraban un gran negocio y un éxito asegurado de taquilla. Desgraciadamente la creatividad que se puede ver en muchos de los productos originales se simplifica y se repite de forma simplona y genérica en la mayoría de las películas gringas, siendo El Aro la única excepción, creando una nueva tendencia de horror clasificación B, sin sangre con puros sustos para saltar de la butaca pero no mas y así, atrayendo a millones de chavitos a la sala y ganando mas dinero.

Kairo

Irónicamente mientras las películas estadounidenses basadas en el J-Horror se atascaron en esta tendencia, mientras las originales van desde lo carente de sangre pero con gran carga psicológica, hasta lo extremadamente violento, aunque por supuesto también se encuentran mediocridades a montones.

Y ese es el punto. Lo que comenzó como un nuevo formato de cine de horror, revolucionando la forma de asustar, en 5 años cayo en lo fastidioso, en lo predecible y en lo aburrido, sin embargo las joyas que salieron en su mejor época siguen siendo indispensables. En estas películas, como la original de El Aro, El Ojo o la obra maestra Kairo (cuyo remake Mensajes del mas Allá es un bodrio) podemos ver la constante paranoia de los japoneses con respecto a la tecnología, el impacto de esta en su cultura y la alineación que provoca en sus individuos, es por eso que no es casualidad que los elementos básicos de estos films sean los fantasmas, que son una referencia a lo antiguo. Computadoras, teléfonos, videos, etc. Que son la conexión con nuestro presente. Y las víctimas que en general desaparecen del mundo y que nos habla de como cada quien vive en sus asuntos, su mundo, sin prestar atención a los demás.

Cut (Cortometraje de 3 Pesadillas 2)

Actualmente es poco común ver una película de horror que posea un comentario social que, aunque muy japonés en su narrativa y estilo tiene una base universal. Ademas en el proceso nos asusta bastante.

Para información sobre qué películas de este genero (y mas asiáticos) son las mejores les recomiendo las paginas Kung Fu Cult Cinema y Snowblood Apple. Yo personalmente les recomiendo Kairo y Cure de Kiyoshi Kurosawa, Ringu, A Tale of Two Sisters, Ju-On, El Ojo y Acacia.

A Tale of Two Sisters

Nota: Todas las imágenes fueron tomadas de la pagina Snowblood Apple


lunes, 9 de marzo de 2009
En las instalaciones de un desangelado y abandonado pero bonito Centro de las Artes, me incorpore a las 3:00 de la tarde a una maratón de Animación que se estaba llevando acabo en la zona de Integración desde las 10 de la mañana.

Mi plan era ver A Scanner Darkly, Persépolis (dos películas fácilmente encontrables en video pero las cuales quería ver en la pantalla grande) y Waltz with Bashir. Antes de llegar ahí sabia que en este mismo maratón habría un ciclo alternativo que los organizadores habían anunciado en el grupo de Facebook; aunque no se molestaron en explicar como seria o que horario tendría. Ya cuando llegue resulta que la cosa estaba así: La película formalmente anunciada para las 3:00 de la tarde era A Scanner Darkly pero en su lugar proyectaron Mind Game; ¿porque? porque la película que pondrían depende de la gente que haya asistido. Llamenme pasado de moda pero generalmente cuando se anuncia un horario espero que se siga y no que una proyección del Centro de las Artes de Potosilándia proyecte lo que se le pegara la gana al presentador.

En fin; me chute 5 películas en ese maratón; 4 de ellas ni las tenia contempladas y la verdad es que recibí una grata sorpresa. No pregunten porque entonces me quejé de la organización del evento porque el hecho de que haya visto films que no conocía, no significa que hay que eliminar la formalidad de un evento así.

Los films que vi fueron estos:

Mind Game
Director: Masaki Yuaasa
Escritor: Robin Nishi
Voces: Koji Imada, Sayaka Maeda, Takashi Fujii, Seiko Takuma
Estudio: Studio 4ºC
Duración: 103 min.

Esta es la película mas loca, grotesca, estilizada, hartante e incoherente que he visto. Lo sorprendente es que también es hipnotica, bien intencionada, compleja, afectiva y, hasta que el ultimo cuadro se a desvanecido en pantalla, el sentido de todo le llega a uno.

Nishi es un fracasado que no puede conquistar a la mujer que ama por mas que lo intenta; en el proceso le disparan por el ano, se encuentra a una deidad que cambia de forma y color cada segundo, regresa a la vida enfrentandose con los gángsters que lo mataron, se lo traga una ballena, conoce a una anciano y entiende el significado de la vida.

Utilizando toda técnica de animación conocida por el hombre, Yuaasa crea una historia donde la narrativa esta solo restringida por los limites de la imaginación y la cantidad de estupefacientes consumidos; en donde las posibilidades de la vida son representados con números musicales, violencia, música, gritos (un chingo de estos) y esperanza. Si llegan a ver esta película mi única recomendación es que aguanten. El inicio no les va a gustar, pero creo que al final podrán sentir muchas cosas que no esperaban que una sola película les provocasen; y el poder de la animación queda mas que evidenciado


Cat Soup
Director: Tatsuo Sato
Escritor: Tatsuo Sato
Voces: No hay
Duracion: 32 min.

Cortometraje 100% surrealista que tiene a dos gatitos adorables como protagonistas. Uno de ellos se queda con media alma y su hermano(a) decide recuperar la otra mitad a como de lugar, viajando por una variedad de mundos, realidades y dimensiones que parecen sacadas de la mente de David Lynch.

Este corto ha ganado premios en varios lados alrededor del mundo. La calidad de la animación, la hermosa y melancólica música; y la imaginación puesta en la creación de los lugares que los gatitos visitan es razón suficiente para ver este film. Parte de su encanto es el desconcierto de la atmósfera opresiva y la imagen de un típico monito de peluche japonés, contraponiendo la inocencia y la crueldad de nuestro mundo.

Quisiera poder explicar mejor porque amé tanto este corto, pero es algo tan visceral, confuso, desconcertante y hermoso que simplemente recomiendo que lo vean.


Dead Leaves
Director: Hiroyuki Imaishi
Escritor: Takeichi Honda
Voces: Takako Honda, Kappei Yamaguchi
Estudio: Production I.G.
Duración: 55 min.

55 minutos de Dead Leaves es 40 minutos mas de los que el mundo necesita; y de esos 55 minutos tal vez 20 sean de diálogos, si acaso. Podría explicar de que se trata pero la verdad eso esta de mas, la trama es idiota y no tiene ningún sentido ni propósito mas que escenificar violencia, chistes escatológicos, violencia escatológica, chistes violentos, gritos, como 5 o 6 cortes por segundo y chingos y chingos de explosiones.

Dead Leaves es una combinación de animación japonesa con un estilo mas americanizado tipo MTV excelentemente animada y con energía de sobra, pero al final simplemente es demasiado; incluso si disfrutas los chistes, la acción, los balazos o el mismo estilo de los dibujos, después de 55 minutos de esta locura uno solo quiere salir y respirar aire fresco.


Waltz with Bashir
Director: Ari Folman
Escritor: Ari Folman
Voces: Ron Ben-Yishai, Ronny Dayag, Ari Folman, Dror Harazi.
Estudio: Bridgit Folman Film Gang
Duración: 90 min.

Ari Folman es un veterano de la guerra contra Líbano y participo en la masacre de Sabra y Shatila, pero cuando uno de sus ex-compañeros le platica un sueño relacionado con su periodo en la guerra, Ari se sorprende de que no recuerda nada de ese periodo. Es así como empieza un viaje entrevistando a antiguos amigos e involucrados en la guerra con el fin de recuperar su memoria y descifrar un sueño enigmático.

Este film documental animado ha ganado varios premios alrededor del globo, su poder radica en algo que Roger Ebert dijo cuando reseñó Grave of the Fireflies. Cuando vemos a un niña muriendo tenemos la imagen de una actriz interpretando a una niña muriendo, cuando la vemos como un dibujo animado tenemos solo la idea y en nuestra mente creamos la representación que cada quien pudiera tener. Pueden estar de acuerdo o no con lo anterior, pero el poder de Walts with Bashir esta en el uso de la animación como herramienta para recrear las escenas narradas por los sobrevivientes y partícipes de la guerra; asignando diferentes tonos estilísticos, que van de lo mas cercano a la realidad a lo mas abstracto.

En el fondo de esta aproximación esta una informativa y devastadora película que aunque no recorre un campo ajeno a los temas que todos hemos visto en un film sobre guerra, si le da mayor dimensión al conflicto en particular tratado y agrega un análisis psicológico de los soldados que tiene que lidiar con esa realidad y su psique fracturada.


Paprika
Director: Satoshi Kon
Escritor: Seishi Minakami
Voces: Megumi Hayashibara, Tôru Furuya, Kôichi Yamadera, Katsunosuke Hori.
Estudio: Madhouse
Duración: 90 min.

Satoshi Kon ha dirigido clásicos del Ánime como Perfect Blue, Millenium Actress y Tokyo Godfathers; ahora con Paprika explora un nuevo genero: el de la Ciencia Ficción.

DC Mini es un aparato que permite a la gente ver y participar en los sueños de otro individuo. Cuando varios de estos artefactos son robados alguien empieza a invadir ilegal y arbitrariamente los sueños de otros, causando trastornos en la mente de las víctimas. Luego por alguna razón los sueños empiezan a cruzar hacia la realidad.

Paprika al igual que Mind Game demuestra el ilimitado ingenio que puede plasmarse en la animación, sin embargo esta película tiene una narrativa muchos menos fracturada y abstracta que sin querer en las situaciones mas inverosímiles funciona en su contra por el cambio drástico de tono. Estamos hablando de un film que habla de los sueños y a la ves hace un paralelismo explícito entre ellos y el cine, cosa que deleitara a los cinéfilos y tal ves cambie ciertas percepciones hacia las películas.

Ver Paprika fue una experiencia vigorizante, llena de fantasía, suspenso, comedia y un aprecio por los recuerdos y los sueños que muchos tenemos, y que en ocasiones el cine ayuda a cumplir y construir.


Eso fue lo que vi el pasado sábado en el Centro de las Artes. Realmente recomiendo a la gente que si se entera de esto eventos, ¡asista!; se descubren nuevas películas que realmente motivan a buscar nuevos films. Por mi parte quede tan encantado de ver tanto cine original que saliendo de ahí me fui corriendo a ver Watchmen. Esperen la reseña pronto.

Nota: Aqui les dejo los trailers de las películas comentadas:

MINDGAME
CATSOUP
DEAD LEAVES
WALTZ WITH BASHIR
PAPRIKA



viernes, 23 de enero de 2009

Vicky Cristina Barcelona

Sensualmente apasionante.

Realmente cada que veo un producto diferente de Woody Allen sigo pensando que no voy a ver algo mejor de el, y muchas veces me equivoco como en esta película, después del gran éxito de Match Point y su indiferente Scoop, nos topamos con la ultima de su trilogía de películas con su nueva musa Scarlett Johansson. Y he de decir que es una maravilla de película.

Dicho Film cuenta la historia de 2 chicas estadounidenses extremadamente atractivas; Vicky y Cristina (Rebecca Hall y Sacrlett Joansson) que llegan a Barcelona de viaje y conocen a un Pintor Juan Antonio (Javier Bardem) el cual las seduce a ambas y comienza una relación en diversos grados de amor y sexo, Vicky esta comprometida,pero su aventura con él le hace reflexionar, Cristina por otro lado es una mujer mas liberal que gusta de las aventuras y de los retos, y mantiene una empatia casi perfecta con Juan Antonio. Pero las cosas no quedan ahí, todo cambia cuando la esposa de Juan Antonio, Maria Elena (Penélope Cruz) llega de improviso a su antigua casa.

Esta Película es una comedia romántica, llena de seducción y pasión, con encantadoras mujeres y unas actuaciones muy buenas, realmente Woody Allen saca el mejor provecho de ellos. Y podemos decir que es el segundo aire de este gran director Norteamericano. 100% recomendable.

Escrito por Joaquín Loustaunau.



martes, 20 de enero de 2009


Una de las características que mas me llamaron la atención la primera vez que vi Oldboy, en la ultima función alrededor de las 11 de la noche de nuestro Cinepolis local, fue la musica tan expresiva que acompañaba a las imagenes impactante de Park Chan-wook. Old boy es un pelicula construida como una especie de comic/cuento/fabula (eso si, hiper violenta) y utiliza musica que va del emlodramatico extremo a la accion e introspeccion.


Pero suficiente del parloteo, si les gusto la pelicula probablemente les guste este soundtrack asi que bajenlo ya!

Oldboy Original Soundtrack
viernes, 16 de enero de 2009

“Esto es lo que las películas hacen mejor. Existir en una especie de sueño donde nada es “real” mas que la experiencia de ver la película en si.”

Leyendo el blog del editor de Roger Ebert, Jim Emerson; me encontré con un muy interesante articulo sobre visión y relación entre las películas y la realidad, tema que creo que es uno de los mas grandes obstáculos que enfrenta el publico masivo al momento de juzgar o experimentar un film. Tomado de la mano de este concepto de la realidad entran factores como la verosimilitud, probabilidad y posibilidad de los eventos en una película, pero no nos aceleremos que estas palabras por si solas, presentan muchos argumentos y posibilidades en la apreciación de este medio.


Fue mi maestro de Apreciación Cinematográfica a quien primeramente escuche declarar de forma contundente, como todo medio visual, sea televisión, fotografía, cine etc, no es realidad; incluso comento, si recuerdo bien, que documentales y noticieros no representan realidad; el menciono que estos medios de transmisión son simplemente interpretaciones de la realidad. Es fácil imaginar como Chicas Pesada, Dr. House o una fotografía editada en Photoshop es solo una representación de la realidad, a fin de cuentas son productos que han sido modificados y creados basandose en la imaginación de una o varias personas, ¿Pero como entran las noticias o los documentales en este aspecto al no ser productos de ficción?; la respuesta es mas que obvia pero si bien no muy fácil de concretar. Todo lo que vemos en un noticiero paso por un delicado proceso de selección, organización y edición para poder presentarse al mundo y el mismo proceso se aplica en un documental, así finalmente obtenemos un producto contextualizado de acuerdo a los parámetros de un hombre o empresa. Una representación de lo que fue o es real.


Después de la diarrea verbal nos vamos con nuestro amado cine y una pregunta importante, ¿Porque tendemos a juzgar a una película de acuerdo a si es “realista” o no?
El cine es un medio artístico y sin embargo se han dividido en categorías ciertos estilos como lo surrealista o lo abstracto, tal ves con el propósito de identificar un producto con mayor facilidad, pero al hacer esto negamos las cualidades y posibilidades que una película por ejemplo, a color y contextualizada en un suburbio de clase alta en el siglo XXI pueda tener solo porque no fue hecha en los años 20’s, en Alemania y en blanco y negro.

El medio de la imagen en movimiento ofrece un infinidad de posibilidades ya que mezcla elementos de otras artes colectivamente creando una nueva forma de expresión, es ahí donde debemos ser abiertos a las posibilidades del cine y no sentirnos intimidados cuando algo “no realista” sucede; dejemos respirar al arte y encontrar su propia voz y declaración. Herramientas para demostrar la validez de un film hay muchas, una de ellas siendo la coherencia, pero al mismo tiempo entendamos que esos dos términos: Validez y Coherencia a la hora de analizar una película, son subjetivos.


Asi que al final, ¿Que importa si John Mclaine no pudo haber sobrevivido el aventarse de un edificio, ¿Que importa si todo fue un sueño, o un flash antes de morir, o una proyección subliminal? Que importa si Angelina Jolie puede disparar balas que siguen una trayectoria curva? ¿Que importa si hay o no un fauno que te espera en el bosque? ¿Que importa si hace mucho tiempo en una galaxia lejana se partían la cara con sables de luz? ¿Que importa si el Guasón aparece en todos lados en todo momento? ¿Que importa si es posible que la muerte se nos aparezca y nos rete a un partido de ajedrez? ¿Y que importan millones de ejemplos mas? ¿los vemos porque son realistas? o tal ves nos dicen algo, o nos hacen sentir de algún modo que simplemente en este mundo no podemos comprender sin ayuda del cine.


Termino con una observación de Roger Ebert sobre el final de Taxi Driver:
“La secuencia final se desarrolla como música, no drama: Completa la historia a un nivel emocional, no literal”


Aquí les dejo un link al articulo que inspiro esta entrada. Y aquí uno al blog de Jim Emerson


P.D. Si, hice demasiadas preguntas, pero también de eso se trata el cine, crear o mostrar preguntas e intentar encontrar las respuestas.
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