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jueves, 20 de mayo de 2010

Muchachos todo con el tiempo va evolucionando y nosotros no somos la excepción, de ahora en adelante nos podrán encontrar en nuestra nueva pagina. www.cinefilicos.net

Les agradecemos todos los años que nos acompañaron en este humilde blog que ahora se expande con un equipo mas amplio y mayor cantidad de secciones, esperamos la nueva página sea de su agrado y no duden en dejarnos sus opiniones y comentarios.

Ya saben, atásquense de cine por siempre.

Equipo Cinefílicos.
domingo, 7 de marzo de 2010


En alguna ocasión, no recuerdo a ciencia cierta en dónde, ví la imagen de una pequeña escultura japonesa de un hombre muy alto con brazos muy cortos, que cargaba en sus hombros a un hombre de muy corta estatura pero con brazos extremadamente altos. Simbolizaba la complementariedad. De alguna manera la música y el cine se funden en un todo armonizado, en un balance preciso que crea un mensaje claro.


Tal vez ambas individualidades de los personajes de la figura que previamente comenté pueden existir de manera independiente, sin embargo juntas hacen mucho más. Si a esas nos vamos, tendríamos que pensar en el caso del cine en un complejo interrelacionado. Cuando me introduje en el tema de la música para cine lo hice con Wenders, un gran fanático que tiene por regla la creación autoral. Fue un buen arranque, sin embargo toparme con otros grandes compositores que me abrieron un panorama enorme que me llevó a plantearme nuevos gustos y preferencias. Así llegué a quien tal vez es para mí, el mejor de los compositores de música para cine: Ennio Morricone. Razones hay muchas, discutía en algún momento con un gran amigo el porqué le prefiero encima de compositores como John Williams cuyo corte es totalmente épico, no demerito su gran capacidad, sin embargo creo que una persona que es capaz de pensar en el personaje antes que en el gran acontecimiento, que le da vida al factor actoral y que piensa en apoyar al perfil y concepto protagónico es de mucho más valor que alguien que ensalza una situación que argumentalmente tiene menos peso y debe recurrir a un soporte auditivo. Porque aunque el cine presenta un juego de equilibrios (igual que la figura japonesa mencionada), ninguno debe jamás estar por encima de la narrativa, por lo menos en lo personal, como regla inquebrantable.


En la película La Misión, producida por Roland Joffé (cuya afición por Morricone le ha convertido en su compositor de cabecera) film de culto para los aficionados a la música para cine, Morricone realiza un impresionante proceso de definición de Leitmotiv (pieza auditiva ligada invariablemente con el protagonista, proceso del que en su tiempo Wagner fue precursor) con una pieza conocida como “Gabriel’s Oboe”, una pieza muy dulce y que además de una línea melódica muy digerible que posee una de las características más importantes de Morricone: un proceso neto de “tropicalización” (es un término acuñado por la Mercadotecnia que trata la adaptación de un producto a las condiciones locales) de la melodía, la búsqueda etnográfica para adaptar la música netamente europea al entorno que se mostrará, exactamente igual que el proceso de colonización y evangelización. Fue expreso para la película el uso de fragmentos corales acompañados por percusiones (América Latina y su música autóctona estaba fuertemente fundamentada por tambores e instrumentos de no más de 3 notas), se compuso un Ave María coral cantada en Guaraní, una pieza para un infante indígena, y lo que es más importante, ninguna de las piezas supera el proceso narrativo de las acciones.


Morricone nunca ha ganado un Oscar por alguna de las películas para las que compuso la música. Sin embargo ha sido galardonado con un premio a la trayectoria por la Academia (que finalmente importa lo mismo que el alza en los precios del charal en el territorio nacional, o sea, nada) y que finalmente ha desencadenado una serie de comentarios acerca de la lucidez, a últimas fechas, del compositor. Que si contrata a instrumentistas para que compongan en su lugar, que si está muy viejo. Por lo menos considero que un personaje como estos, muestra su más grande respeto a una historia de la que se considera partícipe con la más profunda de las modestias, inclusive detrás de su figura taciturna e impávida frente a su orquesta no deja de ser el monstruo que construye y crea las piezas, nuevamente a mi consideración, más hermosas que el cine ha escuchado.

Por Saúl Delgado Marín

http://www.youtube.com/watch?v=XvBT9sqXnew&feature=fvw


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jueves, 4 de febrero de 2010
SIX MEN GETTING SICK (SIX TIMES)

El primer cortometraje del director David Lynch, una animación un tanto extraña que nos muestra mediante figuras abstractas, a 6 hombres sufriendo de una enfermedad estomacal, desde el inicio de esta, hasta las consecuencias en las que termina, acompañado de un sonido continuo (lo que se llama loop), de una sirena de ambulancia; y este proceso es repetido 6 veces a lo largo el film.

El cortometraje es una excelente expresión del dadaísmo, corriente que se enfoca en el rechazo absoluto de toda tradición o esquema predeterminado, y por la cual se inclina mucho este director, mostrándonos a seis hombre representados tan solo por cabezas con expresiones diferentes cada una, complementándose mediante líneas e imágenes de sistemas digestivos; cuando por otro lado la enfermedad es representada mediante figuras y colores contrastantes, recreando a esta mediante movimientos, dándonos a notar el sufrimiento de los personajes sin que estos tengan un cambio en su fisionomía. Sin duda alguna Lynch logra emitir sensaciones de malestar, incomodidad y confusión, consiguiendo que el espectador tenga cierta conexión con las imágenes, no por lo estilístico si no por lo que causa verlas.

Como complemento, cabe mencionar que en 1967 la intención de David Lynch, fue crear una pintura que fuera más allá, que tuviera movimiento y sonido, algo muy similar a lo que ahora se llama video arte. La proyección de este cortometraje en un concurso de pintura y escultura, no solo lo hizo acreedor del premio ganador, si no que logro llamar la atención del público, y así comenzar con su ya tan reconocida carrera fílmica.

Seis hombres se enferman seis veces, un pequeño film que puede no ser el agrado de muchas personas, pero el cual llamara la atención y especulación de quien lo observe.

Director: David Lynch

Año: 1966



jueves, 28 de enero de 2010

Siguiendo aquella regla no escrita por la cual los Animes (animación japonesa) deben tener un historia incoherente y llena de agujeros, llega Casshern, adaptacion de la serie animada setentera del mismo nombre, para ponerles en la madre a todos con un relato incongruente y al borde de la locura; pero para sorpresa mía el filme no me desagrado, aunque llega un momento en el que uno debe decidir si rendirse al desmadre narrativo, la orgía visual y el drama excesivo o si mejor mandarlo al demonio.

La historia... Dios! la historia. ¿Que les puedo decir? Es el futuro o algo así, Japón ha conquistado Europa pero sigue habiendo guerra; Tetsuya por pinche necio decide ir a combatir mientras su madre esta moribunda (aunque se ve muy bien) y su padre el Dr. Azuma esta obsesionado con una tecnología que permite regenerar músculos. Esta tecnología se la vende al gobierno para obtener financiación usando la guerra como pretexto pero lo único que le interesa es usarla para curar a su esposa. Luego un rayo cae, unos cadáveres se regeneran y reviven, se hacen llamar neo-humanos, Tetsuya muere, es revivido y se le da un traje para sus habilidades sobrehumanas (ah porque la tecnología de su padre no solo regenera músculos sino que los hace mas chingones) y a partir de ahí se empieza a hacer un desmadre, medio se intenta darles dimensión a los personajes secundarios y hay explosiones y lagrimas por doquier; todo envuelto en un bonito mensaje de tolerancia, entendimiento y respeto. ¡Vamos! tomemonos de la mano y hagamos un circulo.

Lo que realmente destaca de Casshern son sus visuales. Filmada del mismo modo que 300, Capitán Sky y el Mundo del Mañana y Sin City, el mundo fantasioso, utópico y “alienigena” de Casshern es interesante desde un punto de vista estético; tenemos bosques con luciérnagas, ciudades industriales, jardines de ensueño y aldeas en blanco y negro (Sepa la chingada porque) ninguno de los lugares tiene un explicación, ni un concepto realista sobre su imagen, no como James Cameron clama que Pandora si esta basada en conceptos evolutivos y alienigenas “realistas, sin embargo es hipnótico y la imaginación o convicción de la dirección supera los obstáculos de un presupuesto obviamente no en competencia con el de Hollywood.

Casshern es un anime con actores reales; así de sencillo puede llegar a describirse. Si, el concepto de Anime viene de animación por lo tanto si hay actores en ves de dibujos técnicamente no puede llamarse Anime. Mi punto es que todos esos elementos que veían en sus caricaturas de la infancia los verán aquí: los saltos y las carreras que duran una eternidad, las rayitas en el fondo cuando alguien se mueve muy rápido, súper poderes y un chingo de escenas bien dramáticas. Kazuaki Kiriya, director de videos musicales, tiene talento para construir secuencias emocionantes y con un buen momentum dramático pero no posee la habilidad de crear una historia fantástica coherente de mas de 2 horas. Si checan los créditos verán que realmente no hay nadie mas a quien culpar mas que a el por lo bueno y lo malo,

Así que tenemos visuales espectaculares, ingenio en la presentación de los mismos y secuencias inspiradas. Una cosa mas es notoria, la actuación de Akira Terao como el Dr. Azuma, el científico de algún modo culpable de todo es magnifica. Su personaje no es muy original pero es innegable que es el mejor desarrollado del filme y su convicción, empatía y fotogénia hacen que Casshern casi alcance esa dimensión dramática y moralista que pretende. Casi.

Al final no se puede discutir que Casshern es un mafufadota. Realmente es la película con mas agujeros en la historia que jamas haya visto, es larga, y su total valemadrismo para hacer claras las cosas es, de cierto modo, hasta admirable en su desfachatez. No es una buena película en términos realistas pero creo que como producto original de una cultura lejana basada en las animaciones que mucha gente vivió en su infancia, es una curiosidad digan de buscarse y verse por sus momentos inspirados y su estilo visual.

Mas fácil, vean el trailer y decidan si les convence a pesar de los comentarios hechos.

AVENTURA/TOKUSATSU
JAPON
Director: Kazuaki Kiriya
Editor: Kazuak Kiriya
Escritores: Kazuaki Kiriya
Cinematografía: Kazuaki Kiriya
Música: Shirô Sagisu
Elenco: Yusuke Iseya, Kumiko Asô, Akira Terao, kanako Higuchi, Jun Kaname

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miércoles, 27 de enero de 2010
COMEDIA-HORROR
U.S.A.
Titulo Original: Zombieland
Director: Ruben Fleischer
Editor: Alan Baumgarten
Escritores: Rhett Reese & Paul Wernick
Cinematografía: Michael Bonvillain
Música: David Sardy
Elenco: Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin


Tierra de Zombies es exactamente lo que esperas de una película con un titulo así. No tiene caso comentar sus atributos narrativos o “artísticos” pues es un filme que se apoya en un premisa básica, y si han visto por lo menos un película sobre zombies saben de que va. Humanidad es infectada por virus, población se vuelve loca, furiosa y hambrienta así que son “tipo” zombies; Columbus (Jesse Eisenberg) cree que él es el único sobreviviente de la tierra hasta que encuentra al talentoso chinga-zombies Tallahassee (Woody Harrelson) y a la par de estafadoras Wichita y Little rock (no son sus verdaderos nombres) y juntos tiene que ir a algún lado por alguna razón. La verdad ya lo olvide.

Como dicen por ahí; lo importante no es el destino sino el viaje y la existencia de Zombieland se basa totalmente en esa afirmación. Acabo de ver la película hace media hora y no recuerdo el porque de la mayoría de sus acciones, es decir que prácticamente desconozco el propósito de la película pero la verdad eso me vale madres; es divertida, tiene secuencias muy memorables, y algo que siempre es importante, tiene personajes entrañables y simpáticos. Estos 4 nos caen bien, son chistosos, ingenuos, medio cabronsitos de repente, pero el tono es tan ligero y accesible que uno los termina amando. Muchas películas de horror de verdad no hacen ni esto bien, y realmente es muy importante; que Zombieland sea tan disfrutable no es solo por los chistes, es porque la gente que los dice o los vive son agradables.

Woody Harrelson es memorable como el mata zombies estrella; su personaje seguro se convertirá en clásico dentro del genero Horror-Comedia así como Bruce Campbell en la serie Evil Dead. Es gracioso, accesible, tierno, la historia le proporciona la humanidad necesaria para relacionarse con el; y sus one-liners y su irracional adicción por los Twinkies lo terminan por convertir en un chingon adorable. Jesse Eisenberg, realmente nuestro protagonista, también es genial; con una variación de su personaje teto e inadaptado (como en Adventureland) nos da el centro de atención de la película y la introducción al mundo devastado por los zombies. La química entre el y Harrelson es fluida y natural.

Para los fans de este genero la verdad no hay pierde; podrán reconocer tanto los homenajes como las burlas hacia las películas de zombies existentes desde 1968 e incluso, aunque la película no esta dirigido a un publico maduro, tendrán su dosis de gore en los créditos iniciales y variedad en las maneras de despachar a los infectados.

Zombieland por supuesto no es perfecta. Como la primera película de Ruben Fleischer se sienten los defectos de no tener realmente una historia y pequeñas escenas que salen de ningún lado y no sirven para nada; incluso fracasando al provocar carcajadas, mas bien sacandonos sonrisas. Pero en un filme como Zombieland estos efectos son lo que llamaríamos relleno. Los momentos inspirados, como el uso de cámara lenta extrema al inicio y secciones al final, y la forma de presentar las reglas para sobrevivir un Apocalipsis causado por zombies con todo y letreritos explicativos en pantalla, son suficientes para conquistarnos y sentir a Zombieland como una comedia fresca y entrañable.

Zombieland obviamente no es una gran película, pero es divertidisima y a veces, solo a veces; eso es lo único que necesitamos.

COMEDIA-HORROR
U.S.A.
Titulo Original: Zombieland
Director: Ruben Fleischer
Editor: Alan Baumgarten
Escritores: Rhett Reese & Paul Wernick
Cinematografía: Michael Bonvillain
Música: David Sardy
Elenco: Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin

sábado, 23 de enero de 2010

Caché as un rompecabezas en el cual la misma esperanza de obtener una respuesta es ambigua. Haneke mismo en la entrevista incluida en el DVD toma gran placer en observar las dudas y teorías de los espectadores, e incluso trata de confundirnos mas, comentando aspectos interesantes del filme de una forma muy superficial, solo dando pistas a las posibilidades sugeridas de forma confusa.

No hablaré mucho de la trama pues en este filme lo que sucede no es tan importante como la observación que nosotros mismos hacemos de los eventos. Rara ves una película nos envuelve a tal nivel que el espectador se vuelve pieza clave para descubrir los misterios del problema. Aquí no van encontrar narraciones explicativas, montajes finales de flashbacks y musiquita emocionante como en la serie de Saw, aquí las cosas suceden y no lo podemos entender del todo pero nos inquieta lo suficiente como para intentar averiguar que pasa; y no solo se trata de esperar a que nos pongan la respuesta en bandeja de plata para poder decir orgullosamente “¡A huevo! Ya lo sabia.” tenemos que analizar cada elemento de los cuadros que nos muestran, el orden en el que aparecen, que escena sigue después de esta y cual le precedió, porque fue ese orden y no otro. Afortunadamente el director es lo bastante seguro de su material, y nos da tanta responsabilidad, que no tiene miedo de sostener planos por mas tiempo del ordinario (por lo menos para los estándares actuales de Hollywood) y de acomodar personajes y elementos potencialmente importantes en lugares inusuales obligándonos a observar exhaustivamente cada imagen, como debería de ser.

Tomemos el inicio de Caché, donde vemos un lindo, armonioso y cotidiano encuadre de la puerta delantera de una casa en la calle. La imagen yace ahí fija mientras todos los créditos iniciales aparecen sobre ella. Podemos pensar que lo que vemos es una fotografía pero de repente un hombre pasa caminando y nos damos cuenta estamos viendo una imagen en movimiento, luego se escuchan unas voces en off expresando preocupación, la imagen repentinamente se empieza a mover mas rápido y podemos ver las típicas rayas blancas que salían en los videos VHS cuando se rebobinaban o adelantaban. En este poco rato y con un solo plano Haneke ya desafió nuestras expectativas de hacernos creer ver una fotografía a revelar que es, de hecho, un video a finalmente distorsionar nuestra realidad y ponernos en otro plano totalmente y, por consiguiente, en otro contexto. Esto es algo que el director también manejo en Funny Games pero aquí es de un modo mucho mas sutil e inquietante, pues la percepción de “nuestra” realidad o la realidad de los personajes o la realidad mostrada por la TV, es constantemente re-contextualizada en momentos inesperados.

Plano inicial

Georges (Daniel Auteuil) y Anne (Juliette Binoche) están muy incómodos pues nos enteramos que la imagen que vimos al inicio es de un video dejado enfrente de su casa anónimamente y que el lugar encuadrado en el video es efectivamente su hogar. Alguien estuvo grabándolos durante horas y ellos, en su rutina diaria, no pudieron ver cámara alguna que lo hiciera. Los videos continúan llegando con dibujos aparentemente infantiles de un niño escupiendo sangre y al inicio se teoriza que puede ser una broma de un amigo de su hijo (Pierrot) pero eventualmente se revela que el “observador oculto” tiene conocimiento de la vida pasada de Georges. Juliette Binoche, esa maravillosa actriz, brinda una interpretación poderosa llena de nerviosismo por su familia e incertidumbre por la situación, desconfiada de lo que Georges le cuenta y le esconde pero, en un momento podemos ver que Anne también tiene secretos importantes de su parte, aparentemente tangenciales a la trama principal; aun así tal revelación nos obliga a re-analizar y desconfiar un poco de lo que vimos antes. Daniel Auteuil actúa de una forma mas reservada pues su personaje lo requiere. El también esta lleno de miedo y de nerviosismo por la situación pero a diferencia de la incertidumbre de la esposa, presentimos que su mayor temor viene de la seguridad del quien y la causa. O tal ves no. Tal ves realmente solo tiene una idea pero no este seguro. Tal ves nada es seguro y por eso cuando se nos revela al supuesto responsable de los videos, la verdad es que sin evidencia muy clara, creemos en su inocencia. No es que la película provoque esto, simplemente al verlo y escucharlo los percibimos honesto.

Ambigüedad y percepción.

Haneke se caracteriza por el ritmo lento en todos sus filmes y Caché no es la excepción. Este ritmo incrementa el agobio, la angustia y el nerviosismo en una situación que evidentemente esta afectando los cánones de la cotidianidad pero cuya causa no es posible entender. El constante uso del color rojo, en momentos clave también causa una inquietud psicológica y atmosférica notoria. La atención, dependencia y precisión en el uso de la imagen como tal es magnifica. Esta elegante aproximación hace totalmente inesperada una escena importantísima que no tengo temor en declarar como una de las mas impactantes que he visto en el cine

Caché juega con expectativas, con el tiempo y la realidad, con pistas falsas, verdaderas y acontecimientos que, como en nuestra vida real, a veces no tiene una explicación o una razón lógica, o lo que nosotros podemos considerar lógico. Es un increíble filme que crea un mundo absorbente pero que no puede ser completado sin nuestra participación activa. Esto no se trata solo de ver luces brillantes como en el Pandora de Cameron, sino en tomar los 118 minutos de Caché y pensar como se extienden, de que forma se desarrollarían, cuando uno no esta viendo. Amo este tipo de filmes.

El plano final es igual en estilo al del inicio solo que ahora vemos la salida de la escuela de Pierrot, lo vemos durante tal ves 3 minutos mientras los alumnos salen y, si observamos muy bien pues no es muy evidente, podremos ver como 2 personajes que no deberían conocerse entre ellos, lo hacen. ¿De que forma modifica o confirma lo que nosotros habíamos pensado antes? Esa ya es su tarea pues los créditos ya empezaron.

THRILLER
U.S.A.
Titulo Original: Caché
Director: Michael Haneke
Editor: Michael Hudecek, Nadine Muse
Escritores: Michael Haneke
Cinematografía: Christian Berger
Música: NO HAY
Elenco: Daniel Auteuil, Juliette Binoche, Maurice Bénichou, Lester Makedonsky, Walid Afkir

miércoles, 20 de enero de 2010
DRAMA/COMEDIA
U.S.A.
Titulo Original: Adventureland
Director: Greg Mottola
Editor: Anne McCabe
Escritores: Greg Mottola
Cinematografía: Terry Stacey
Música: Yo La Tengo
Elenco: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Ryan Reynolds, Bill Hader, Kristen Wiig


Aquí hay una joya de este 2009 que para muchos, incluyéndome, paso desapercibida. Tal ves fue el letrerote que decía del director de Supercool (Superbad) y cuando los distribuidores mexicanos vieron que en su manos tenían un película que no era ni muy graciosa, nada escatológica y mas inteligente y contemplativa de lo que ellos creyeron el publico joven necesitaba, se espantaron y decidieron hacerse gueyes, perdiendo la noción de que este es el tipo de película mas necesaria para el grupo demográfico al que está dirigido: jóvenes inteligentes. (Supercool incluso llegaba a tener estas características pero las vulgaridades graciosas despistaban).

James Brennan (Jesse Eisenberg, carismático y torpe) es un chico ambicioso y muy inteligente al que le ha costado trabajo tener una relación significativa. Cuando su padre es cambiado de posición en la empresa por uno de menor estatus, el viaje de graduación de James y sus planes de hacer un pos-grado son puestos en jaque; esto lo obliga a aceptar cualquier trabajo que pueda durante el verano y, como estudiante de literatura renacentista sus talentos o mas bien su presencia, es solo requerida en un parque de diversiones donde conoce y se enamora de Emily (Kristen Stewart, bellísima pero sin mucho rango emocional)

Toda la simple premisa sobre historia de maduración y amor verdadero (o necesario) esta envuelta en un contexto interesante. El año es 1987; Reagan tiene al país en perpetuo estado de “todo esta bien” aunque podemos ver repercusiones en la economía que afecta a varios personajes y los afectan seriamente; sus familias y sus futuros están en juego. Los problemas de la vida real se incrementan y se vuelven agobiantes, el desencanto y la tristeza es parte de sus prospectos y lo único que pueden hacer con su tiempo es estar en un parque de diversiones, símbolo de alegría y diversión para aquellos que lo visitan pero no para quienes trabajan ahí. Además de nuestros protagonistas estan Ronnie (Ryan Reynolds contemplativo e intrigante) quien trabaja en mantenimiento y supuestamente es un músico talentoso que, eso si, es bueno para ponerle el cuerno a la esposa; y Joel (Martin Star) quien esta deprimido y triste porque es feo pero nada tonto; y no, no es el típico nerd “listo”, el realmente es un personaje culto y consciente que simplemente no es muy agraciado físicamente.

Estos personajes ven sus vidas pasar sin poder hacer mucho entre los problemas económicos, familiares, de sus vidas sentimentales y su misma apatía. Los recursos comunes del filme son el parque, la marihuana, el trabajo y el sexo. Ninguna de estas es manejada como simple instrumento de desmadre o de circunstancia, todos funcionan como analogías de decisiones y estados mentales por los que atraviesan estos chavos. Todos están atorados y no ven como escapar. Algunos ni siquiera piensan en como hacerle.

Supercool era brillantemente vulgar y escatológica al extremo, y eso a veces puede hacer que nos olvidemos de su ritmo deliberadamente lento que lograba desarrollar y contextualizar a sus 2 protagonistas. Adventureland deja a un lado el humor burdo y casi en su totalidad la comedia para una anécdota mas sutil y dramática con personajes entrañables y complejos; estos chavos universitarios tiene problemas de verdad pero la película goza de un equilibrio que propone problemas serios a la ves que los define como serios para la edad y el momento en el que sus personajes los viven. Es decir les da su lugar sin elevarlos al nivel de tragedia excesiva. Esta es una gran lección tomada de las películas ochenteras de John Hughes como El Club de los Cinco y La Chica de Rosa, ademas de que implementa el tradicional arquetipo de “Los papas no saben ni entienden ni madres”. Lo acepto, porque en ocasiones todos hemos pensado lo mismo y es admirable que la película no sataniza ni ridiculiza a los padres a pesar de esta tendencia.

La película describe las alegrías y tropezones de la juventud y como tal no puede estar exenta por completo de comedia. Cuando esta llega, lo hace en pequeños pedazos que se sienten mas genuinos por ser modestos en su presentación que puede ser chusca o incomoda pero siempre encantadora.

Adventureland es una película tan rica en significados que es sorprendente. Todo implica y denota algo mas de su apariencia física: Los lugares, los sucesos que pasan en el fondo (políticos, económicos) y personajes que creemos saber como se desenvolverán pero terminan siendo gratamente mas intrigantes de lo que estábamos esperando. Eventualmente los siempre entrañables e inolvidables conceptos del amor y la superación tienen que hacer su aparición, pero esto no es sentimentalismo ni manipulación barata, mas bien siempre estuvieron ahí; después de todo, los únicos 2 personajes que se ven felices todo el tiempo son aquellos que se tienen el uno para el otro (Administradores del parque Paulette y Bobby).

Podríamos decir que al final Adventureland cae en el habitual terreno de lo inspirador y lo idealista; pero cuando un filme es así de entretenido y genuino, creo en el.



martes, 19 de enero de 2010
DRAMA
U.S.A.
Titulo Original: 25th Hour
Director: Spike Lee
Editor: Barry Alexander Brown
Escritores: David Benioff
Cinematografía: Rodrigo Prieto
Música: Terence Blanchard
Elenco: Edward Norton, Philip Seymour Hoffman, Barry Pepper, Rosario Dawson, Anna Paquin, Brian Cox.


La Hora 25 es una de las mejores películas que he visto en la vida. Durante aproximadamente 24 horas vemos a Montgomery (Edward Norton) un ex-drug dealer vagar rincones de Nueva York, disfrutando su ultimo día de libertad antes de cumplir 7 años en una prisión por los crímenes naturalmente relacionados con su “profesión”. En el proceso intenta reconectarse con sus dos viejos amigos, su padre y descubrir si su querida novia lo traiciono o no. Si creen que esto suena como un drama común y ya hasta prevén los procesos que se desarrollaran serán gratamente sorprendidos. Este es un filme tan épico y humano que es francamente increíble que tantos sentimientos se aborden de manera directa e indirecta, por medio de metáforas y verosimilitud plena en solo 2 horas 15 minutos.

Jacob (Philip Seymour Hoffman) esta triste de que Monty vaya a la cárcel pero al parecer esta mas triste de la distancia que se ha formado entre ellos dos, sin embargo se mantiene optimista antes las prospectivas y sabe, o por lo menos de eso se quiere convencer, de que estará ahí para su amigo. Mientras tanto encuentra comfort en un trabajo que no lo llena del todo en las emociones sentimentales que le produce una de sus alumnas (Anna Paquin). Frank (Barry Pepper) esta enojado con Monty, lo extraña y le enfurece el punto al que ha llegado por sus acciones y esconde lo confundido que esta en su fachada de galán, mujeriego y en la cantidad considerable de dinero que posee. Naturelle (Rosario Dawson) esta confundida. Ama a su novio y no entiende la distancia y estoicismo en su actitud cuando solo le quedan unas pocas horas de libertad. Monty solo vaga, recordando el pasado en compañía de un fiel perro que, se nos informa al inicio, rescató de la muerte y que ahora siempre esta a su lado. Tenemos la impresión de que gran dolor y arrepentimiento hay dentro de el, que la furia y tristeza en su interior se pelean para encontrar un significado de todo y en todo.

Como pueden ver en la portada, en la que solo figura Edward Norton, la historia es y gira alrededor de Monty, pero Spike Lee y su escritor David Benioff, son tan pero tan buenos para espaciar diálogos, secuencias y para combinar conflictos que cada uno de los 6 personajes notorios de la película es construido en un individuo vivo, complejo y atrayente. Gracias a las actuaciones de este gran elenco, estos personajes cobran una trascendencia inmensa no solo para la historia sino para el espectador. Hipnóticos encuadres acompañan diálogos poderosos y, cuando la historia lo requiere, Lee adopta métodos estilizados para mostrar los conflictos internos de los personajes en escenas de una belleza metafísica que plasma de forma honesta sueños, anhelos y decepciones. Como la escena en la que Jacob y Frank hablan de las ultimas horas de Monty recargados en una ventana donde se pueden ver los escombros de las torres gemelas (11/9 es un tema de suma importancia en el filme). Esta escena, la cual dura varios minutos, es un plano secuencia que luce las habilidades histriónicas de los actores y nos agobia con la exasperante realidad de la ciudad y de estas personas. Su simpleza y fuerza es una cosa de suma belleza. Por otro lado tenemos el soliloquio de Monty, quien al ver un “Fuck you!” en el espejo de un baño publico comienza un monologo en contra de todas las etnias de Nueva York, sus amigos e incluso la iglesia y Jesucristo, para desembocar en la dura revelación que todos hemos afrontado en alguna ocasión de que la fuente de nuestros problemas no esta tan lejos. La intensidad de Norton, la fotografía super saturada, cortesía del genial Rodrigo Prieto y la mezcla entre comedia y tragedia social nos ponen en el mismo trance que Monty: “¡Chingense todos! Chingome yo”.

Algunos pueden juzgar a La Hora 25 como una película muy gringa y pues simple y sencillamente no lo es. Es una película muy norteamericana definitivamente pero, si el contexto social se ve solo desde la superficie cometeremos el error de juzgar la chilloneria de un país cuando lo que se intenta hacer es mostrar la relación vital entre ser y entorno. Podrá no ser nuestro entorno pero, las repercusiones fueron universales y los conflictos internos que nos definen muchas veces pueden ser tan únicos como identificables en todas las personas.

El filme llega a su climax en la fiesta de despedida de Monty donde, revelaciones cruciales llegan, el alcohol se mezcla y palabras y acciones vuelan con honestidad, impulsividad, peligro y una trascendencia innegable. Después de esto Lee nos transporta a un mundo añorado que mas de una persona que conozco ha mal interpretado como una mafudada ñoñera, cobarde e idealista, siendo que todo lo contrario es lo que se ha logrado. La Hora 25 es una obra maestra que jamas perderá su fuerza y su efecto.

“This life came so close... To never happening”



jueves, 14 de enero de 2010
AVENTURA
U.S.A.
Director: Guy Ritchie
Editor: James Herbert
Escritores: Michael Robert Johnson y Anthony Peckman y Simon Kinberg
Cinematografía: Philippe Rousselot
Música: Hans Zimmer
Elenco: Robert Downey Jr., Jude Law, Rachel McAdams, Mark Strong, Eddie Marsan

Sherlock Holmes pretende ser entretenimiento puro y casi llega a lograrlo. Pero no del todo. Si alguien me preguntara que director me parecía correcto para hacer una nueva versión de Sherlock Holmes jamas hubiera pensado en Guy Ritchie (Snatch, Rock-an Rolla). No estoy familiarizado con las anécdotas del detective mas que en sus puntos mas básicos, pero incluso para alguien como yo es evidente que este Sherlock Holmes no es el mismo que se creo en 1887. Eso no es algo malo pero si es un aspecto que los puristas pueden tomar incluso como ofensa.

En fin, lo primero que tengo que decir es que la historia de Sherlock Holmes es absurda y floja. Por favor no empiecen con argumentos como “Es una película palomera la historia es lo de menos” No estaba esperando una película de Costa-Gavras pero para una película cuyo único propósito es entretener, bueno... Sherlock Holmes tiene una historia chafa. (Escribiré mas al respecto de este tema en un comentario futuro aquí en el Blog)

Lord Blackwood (Mark Strong, totalmente desperdiciado) será colgado después de ser capturado por Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) y el Dr. Watson (Jude Law) por practicar magia negra y asesinar a 5 jovencitas. Blackwood le advierte a Holmes que “La muerte es solo el inicio” y que regresara de los muertos algo que al detective le vale madres francamente. Holmes a la ves esta pasando por una crisis porque Watson se ira de su casa para vivir con su prometida. Finalmente todo se complica mas cuando la profecía de Blackwood se hace realidad y su cadáver desaparece.

Me gusta este Sherlock Holmes. Me gusta Robert Downey Jr. Es un actor con un carisma incontenible y que tiene el poder de inyectar vida a toda una película con su sola presencia. Su interpretación de Holmes esta llena de detalles chuscos, sarcásticos además de que le agrega una notoria agilidad física sin perder el ingenio y la sagacidad que siempre ha caracterizado al personaje. Pero me es inevitable pensar que, a pesar de mi poco conocimiento sobre el icónico personaje de Arthur Conan Doyle, realmente no estaba viendo una película sobre Sherlock Holmes. Es como cuando viendo la nueva versión de Starsky & Hutch (2004) pensaba “Esto no se parece a Starsky & Hutch

Esta nueva versión de Sherlock Holmes tiene serios problemas. Una trama excesivamente complicada pero nada envolvente combinado con tiempo de duración excesivo (128 minutos) para el material disponible caen pesados y acercan al espectador peligrosamente al territorio de la aburrición; esto es algo que los Blockbusters de ahora de plano no saben medir. No saben cuando decir basta y comienzan a perder a su publico cuando lo entretenido se convierte en imagen y acción circunstancial agobiante.

Pero entonces regresamos con Downey Jr. Puedo decirles con toda franqueza que considero esta película como buena y la recomiendo basándome simple y sencillamente en su carisma y actuación. Si, la dirección conserva la estilización snatchesca de Guy Ritchie pero su uso es mucho mas moderado y nos brinda escenas emocionantes, trepidantes y muy divertidas. Su Londres es un lugar muy envolvente e interesante, cosa que me sorprendió ya que la mayoría es creado con CGI; esto también habla de una buena dirección e inmersión por parte de los creadores. El juego de interacción entre Watson y Holmes es fantástico, en cualquier momento en que los dos están juntos la pantalla se enciende con risas, diálogos ingeniosos y acción explosiva. Esta es una de las películas que he visto últimamente que usan mas el slow-motion y francamente, es que su integración en la historia se siente un poco desconcertarte pues no parece cuadrar ni con la mitología y contexto del personaje, ni con las mismas situaciones pero, ¿Saben que? Adoro el slow motion y el director se da vuelo mostrando cuerpos volando por los aires, caras golpeadas, huesos rotos y explosiones. Esto es acción bien dirigida, limpia y sin pretensiones.

Sherlock Holmes es divertida. Podría serlo mas si hubieran usado una historia mas congruente y entretenida, y si le hubieran rebajado 20 o 30 minutos pero cuanto esta encendida, esta que arde y solo por el protagonista vale la pena verla para pasar un rato placentero.


lunes, 11 de enero de 2010
DRAMA
COREA
Director: Kim-Ki Duk
Editor: Kim-Ki Duk
Escritores: Kim-Ki Duk
Cinematografía: Jong-moo Song
Música: Hyung-woo Noh
Elenco: Jung-woo Ha, Ji-Yeon Park, Gyu-Woon Jung, Sung-min Kim


Que película tan brillante. El gran cineasta coreano Kim-Ki Duk una ves mas ha tomado elementos de la cultura actual y las ha implementado en una fábula terrorífica, cómica, absorbente y triste.

Un día leí a un critico que, sobre la verosimilitud de las películas del director, dijo: “...doesn't jibe with any version of reality that I'm aware of” Bueno, pues esa es exactamente la intención. Time es un conjunto de arquetipos, simbolismos y situaciones elípticas que en su propia “lógica” metafísica y espiritual plantea preguntas intrigantes y duras sobre la identidad, el tiempo, el espacio y la permanencia; tomarlo literalmente es inútil. La sugestión de las imágenes y de los eventos es donde yace la riqueza de este filme.

Seh-Hee siente que su novio se esta aburriendo de ella; de su físico, de su rostro y constantemente le dice “¿no te aburres de ver la misma cara todos los días? Ji-woo le dice que no y, mientras que si se podría decir que coquetea con otras mujeres, al parecer esta enamorado de su novia. Un día Seh-Hee lo deja sin decir una palabra; se va a una clínica de cirugía plástica y cambia su rostro por completo. Seis meses después, y con el dolor de lidiar con la perdida sin razón y la soledad Ji-woo encuentra a una curiosa joven llamada See-Hee.

El tiempo avanza inexorablemente (¿O no?), rostros se transforman, la marea sube y baja a veces mostrando esculturas surrealistas en la playa; a veces cubriéndolas casi por completo, solo dejando ver unas escaleras que se hacen pequeñas hasta desaparecer en el cielo. La acogedora cafetería donde tantos eventos se desenvolverán sigue igual que siempre. El director encuadra con la intención de que cada una de sus imágenes cargue por completo el peso psicológico, metafórico y emocional de la premisa. El exhaustivo detalle de sus significados, no de sus elementos, recuerda a los de una pintura.

La narrativa es elíptica en mas de una manera. Eventos son desarrollados una y otra ves en los mismos lugares, los cuales no parecen recibir efecto alguno con los grandes cambios en los sujetos que los habitan y que los construyeron en primer lugar. En el proceso, la historia forma y deforma expectativas y convenciones, asimilando unas y echando por la borda otras. Lo que en un momento se sentía claro y estable se va convirtiendo en algo mas. Algo mas ambiguo, algo mas irreal, algo mas poderoso y trascendente.

Como es común en el cine oriental, la interpretación final de la historia se le deja al espectador. Con una ambigüedad latente mezclada con la inverosimilitud de acciones y reacciones, no esperen un filme fácil de asimilar. Sin embargo es empatico en su ritmo y nos demanda su atención, análisis y hasta otra vista inmediatamente al final. Personalmente tengo varias teorías, ninguna me convence al 100% pero cada una me denota diferentes conclusiones. Yo siempre apreciaré mas un filme que me haga pensar y analizarlo después de haber terminado.

Les puedo hablar del apartado técnico impecable y del excelente trabajo de los actores principales pero eso esta demás. Este es el tipo de filme que nos inmersa en su mundo y durante su duración todo lo demás desaparece, todo lo que es realidad es lo que vemos en pantalla y lo que sentimos y pensamos. Esto es cine a su máximo nivel: trascendente, emotivo, inteligente, hipnótico, reflexivo y entretenidisimo.

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miércoles, 6 de enero de 2010
DRAMA/AVENTURA
U.S.A.
Titulo Original: Defiance
Director: Edward Zwick
Editor: Steven Rosenblum
Escritores: Clayton Frohman y Edward Zwick
Cinematografía: Eduardo Serra
Música: James Newton Howard
Elenco: Daniel Craig, Liev Schrieber, jamie Bell, Alexa Davalos, Mark Feuerstein, Allan Corduner


La que pudo haber sido la película mas interesante del cineasta y productor Edward Zwick por azares del destino termino siendo su mas plana. Director que se caracteriza por sus películas épicas amoldadas a los estándares típicos de la épica Hollywoodense, su cine no puede acusarse de no ser por lo menos entretenido. Desde la emotiva Gloria (1989), la telenovelesca Leyendas de Pasión (1994) la impecable revisión formal del Hollywood de antaño, El Ultimo Samuraí (2003); a la llena de acción y casi incisiva Diamante de Sangre (2006) Zwick sabe como construir un filme emotivo, emocionante y envolvente aunque no sea muy innovador, original o hasta inteligente.

Gracias a las implicaciones éticas de la historia original, Desafío tenia el potencial de ser la película mas compleja de Zwick. Cuenta la historia real de los Bielski; judíos rusos que se escondieron de los nazis en los bosques desde 1941 hasta el final de la 2ª Guerra Mundial, haciendo a la par algo que no muchos de su pueblo hicieron en esa época: Defenderse. La historia dice que los llamados Partisanos Bielski no eran unas blancas palomitas pues robaban, extorsionaban y asesinaban judíos polacos e implementaban regímenes autoritarios en sus comunidades. Lo interesante y a la ves desconcertante del filme es que no desecha estos defectos del todo con la intención de pintarnos a unos héroes puros; sin embargo las acciones “buenas” y “malas” se plasman tal y como son, sin un apoyo psicológico o sociológico incisivo o destacado. Tal ves se crea que solo por poner a nuestro personaje principal llorando, luego matando a sangre fría, luego dedicándose a sus hermanos y luego dejando que linchen a un hombre desarmado se nos muestre una complejidad y/o ambigüedad moral clara; pero lo único que se logra es un filme esquizofrénico que no se decide por lo que quiere exponer y contar.

Los tres hermanos son interpretados por Daniel Craig, como el líder, Liev Schrieber, el hermano rebelde y Jamie Bell el joven y por consiguiente mas puro moralmente. Actores de trabajos, backgrounds e incluso aspecto físico muy dispares; la interacción entre ellos es buena y dinámica; desgraciadamente el trabajo enérgico de estos carismáticos protagonistas se encuentra desperdiciado por una historia simplona y personajes sin desarrollar. Ni hablar de los personajes secundarios porque o son clichés andando o completamente olvidables.

Como dije, las películas del director no se caracterizan por ser muy complejas pero por lo menos contaban con elementos memorables: secuencias de acción, fotografía, arte, actuaciones o incluso un ritmo trepidante. Desafío no cuenta con ninguna de estas características. Es la definición y ejemplificación de anodino. Ya se me había hecho raro que esta película tardara tanto en llegar y cuando lo hizo no duro nada en el cine; digo, el publico ama los dramas de la 2ª Guerra Mundial y/o del Holocausto pero esta es una película que no aporta nada nuevo, y ni siquiera se molesta en brindar los bienes básicos de un filme entretenido. El DVD es todavía peor ya que cuenta con una calidad de imagen atroz y en fullscreen.

Desafío es prácticamente un desperdicio en todos los aspectos. No es atroz; ni siquiera muy mala, simplemente es mediocre, pero creo que eso es aun peor cuando se toma en cuenta a los involucrados. Se busca una experiencia envolvente y gratificante solo para encontrarse completamente desinteresado de todo. Ni siquiera la usual habilidad técnica del director luce.

Este es un drama que con su propia intrascendencia, nos pide a gritos que lo ignoremos.


lunes, 4 de enero de 2010

COMEDIA/ROMANCE
U.S.A.
Director: Marc Webb
Editor: Alan Edward Bell
Escritores: Scott Neustadter & Michael H. Webber
Cinematografía: Eric Steelberg
Música: Mychael Danna, Rob Simonsen
Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloe Moretz, Matthew Gray Gubler, Clark Gregg


Jenny Beckman es una perra. O por lo menos eso nos dice Mark Webb al inicio de su encantadora “500 Days of Summer”. Mas allá de este chascarrillo que efectivamente rompe el hielo entre el filme y el espectador, nos encontramos con una elaborada película Hollywoodense que mas que romper las convenciones de las películas románticas les da un giro inesperado y fresco. Conserva lo que funciona, desecha lo que irrita o mecaniza la historia y nos lo presenta con un estilo visual fresco pero sin ser demasiado llamativo y distractor. Es una mezcla intoxicante y que destila carisma.

Tom Hansen (Joseph Gordon-Levitt) está hecho un asco cuando Summer (Zooey Deschanel) termina su “relación”; en un intento desesperado por entender que fue lo que salio mal, Tom (Y nosotros) empieza a hacer el recuento de los daños, desde el día que conoció a la bella Summer; mientras tanto lidia con su corazón roto, su existencia deprimente y la incertidumbre de si podrá recuperarla o no.

La película esta narrada de una manera no-lineal que, ayudándonos con un conteo de los días de relación, salta de varios eventos aislados que poco a poco van desenvolviendo las verdades sentimentales de ambos personajes pero principalmente de Tom. Encontré esta presentación refrescante en el ámbito de un corazón roto y en pena porque emula los procesos de la mente. Cuando nosotros recordamos no regresamos a un punto y avanzamos de forma lineal. Recordamos piezas y cachos que se denotan de acuerdo a los sentimientos actuales o a paralelismos entre actualidad y pasado. Tom en una ocasión entra al elevador feliz, fresco, arreglado. Inmediatamente vemos que meses mas tarde sale del mismo elevador triste, jodido y desilusionado.

Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel son excepcionales como los líderes. Ambos poseen una cualidad cálida, familiar y simpática que “estrellas de cine” no hubieran podido transmitir; ninguno de los dos es atractivo o hermoso en el sentido convencional o por lo menos en el sentido Hollywoodense. Creemos en estas personas, es fácil identificarnos, se nos permite estar en acuerdo y desacuerdo con ambos. 500 Days of Summer no tendría la mitad de su éxito ni el centro emocional lo suficientemente fuerte sino fuera por sus protagonistas. Es mas acerca de sus personajes que de cualquier semblanza de historia.

No se si 500 Days of Summer sea realista. El mero concepto es engañoso en el cine, y en general en trabajos de ficción. En cierto modo filmes como este la tienen mas difícil que la mayoría que son conjuntos masivos de clichés aburridisimos (como La Propuesta) o películas que desechan convenciones narrativas “rosas” y en especial alentadoras (como Antes del Amanecer). 500 Days of Summer cae en medio; utiliza los clásicos personajes secundarios para alivio cómico, la niña sabia, la fotografía típica del Nueva York de ensueño entre otras cosas pero, lo mezcla con carisma, personajes complejos y genuinamente entrañables, un propósito mas allá de la satisfacción de un publico complaciente y es totalmente genuina en su propio universo. Es honesta.


Si la película flaquea en algún momento es que a la mitad pierde un poco el momentum de sus situaciones y que el clímax llega prematuramente en una emotiva y poderosa escena con split-screen donde se nos muestran las expectativas de las ilusiones y la crudeza de la realidad. De ahí todo se siente un poco circunstancial y la escena final es muy insignificante, sin resonancia alguna.


Aun así este es un filme maravilloso, digno de celebración y que de verdad debería servir de plantilla para todo lo que se quiera etiquetar como romance en Hollywood actualmente.



sábado, 2 de enero de 2010

AVENTURA
U.S.A.
Director: James Cameron
Editor: James Cameron, John Refoua, Stephen Rivkin
Escritores: James Cameron
Cinematografía: Mauro Fiore
Música: James Horner
Elenco: Sam Worthington, Zoé Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Giovanni Ribisi, Michelle Rodriguez.



Avatar esta llena de escenas memorables que lamentablemente al final no adjuntan para un filme completamente satisfactorio. Para aquellos que han defendido su carencia de historia original diciendo que su único énfasis y objetivo se encuentra en sus visuales están olvidando el importantísimo punto de que una historia es lo que nos lleva en un viaje de 2 horas y media, no solo imágenes bonitas. Pero tampoco nos engañemos, este es James Cameron, artesano experto en experiencias sensoriales y, con la excepción de Terminator y Terminator 2, creador de historias y personajes convencionalisimos y nada originales.

Jake Sully (Sam Worthington, siempre carismático) es un ex-marine parapléjico que es llamado a un importante proyecto del gobierno después de que su hermano gemelo muere; resulta que la gemeleidad es muy conveniente pues lo que se requiere de Sully es que se conecte con un Avatar para poder relacionarse con los seres (Na’vi) de otro planeta llamado Pandora. Total que aunque Sully es un militar cabeza dura sin ninguna experiencia en ves de un científico listísimo como su hermano, la mamonsóna jefa del proyecto Avatar, Grace (Sigourney Weaver) lo acepta. Así Jake empieza a convivir con los Na’vi muy de cerca, y mas cerca de Neytiri (Zoe Saldana) una supermodelo Na’vi, pero a la ves le brinda información a los militares para poder atacar a los habitantes de Pandora porque, como todos los seres humanos, lo único que queremos es destruir y explotar recursos naturales. Maldita raza humana.


Como pueden ver no hay un miligramo de sorpresa en las mecánicas con las cuales procede y procederá la historia; de seguro hasta ya saben como va a terminar la película pero consideremos bien los hechos. Este es un proyecto multimillonario que tiene la obligación de recaudar su inversión, creado por uno de lo directores mas comerciales que hay, lo que distingue a Cameron de los demás es que, comercial o no, lo hace con pasión, corazón, esfuerzo, habilidad y siempre busca avanzar las posibilidades del cine (claro en cualquier cosa menos narrativa). Esta es una película ecológica, para que los niños aprendan, los globalifobicos se enaltezcan y en general, sepamos amar a nuestro planeta. No hay absolutamente nada malo con esto, yo mismo esperaba algo ciertamente muy convencional de este director (¿Que ya se les olvido Titanic?) El problema radica en la duración del filme y en los niveles de convencionalismo en los que se hunde, que por momentos causa aburrición o que giremos los ojos diciendo “No... Mames”. Por dios James nadie usa la frase “Who’s your daddy” en una pelea a menos que sea comedia, parodia o estemos en los 80’s y si vuelvo escuchar un “I didn’t sign up for this shit” me sangrarán los oídos.



¿Pero que hago hablado de narrativa en Avatar? Lo que a todo mundo le importa son los visuales y sobre ellos debo decir que están increíbles. No, no me cambiaron la vida ni me hicieron enamorarme del uso del 3D, ni me parecieron tan revolucionarios francamente; pero ni quiero pensar en la “reputación” de los efectos o en su efecto a futuro. En Avatar funcionan y funcionan maravillosamente. Lo mejor que se puede decir del 3D es que no es molesto ni intrusivo. Se fusiona con el trabajo de cámara de una forma fluida y casi imperceptible. Esto es mejor que cuando vemos efectos forzados para impresionar al publico. Sigo pensando que la nitidez y el color de la imagen no es la mejor pero, el sentido de inmersión, de pertenencia al mundo de Pandora es fantástico. El trabajo en la creación de este mundo alienígena con sus seres horrendos y luces preciosas es notable, la verosimilitud de sus habitantes es impresionante; de hecho creo que es en escenas mas tranquilas y armoniosas (Como la primera vista a Pandora durante la noche) donde los efectos, la tercera dimensión y la dirección de Cameron llegan a niveles destacados. En total contraste en tono tenemos las escenas de acción, y estas son un motivo mas para celebrar el regreso del “Rey del mundo”. En una época en la cual cuesta trabajo encontrar una secuencia de acción decente en los blockbusters gringos, Cameron llega con toda la energía del mundo demostrando porque el estilo de Bay apesta. Utilizando tradicionales planos secuencias, paneos, reaction shots y sin necesidad de cortar cada maldito segundo, Cameron se concentra en orquestar detalladamente la acción de su cuadro: sus personajes, naves y monstruos, de forma que lo acontecido, realmente se siente épico y el corazón y el pulso se aceleran segundo a segundo.


Y hablando de corazón llegamos al mayor defecto de Avatar que es la carencia de este. Si, la película tiene un “mensaje” positivo de amor, comprensión y tolerancia; si hay historia de amor y si hay escenas dramáticas. Todo esto francamente se suma a un gran nada. Los personajes, clichés como suelen ser en las películas del director, son mas planos que nunca, no hay conexión, todo es tan recurrente que no hay oportunidad de invertir emocionalmente en algo pues no hay un elemento que nos identifique. El estado en silla de ruedas de Sully pudo haber sido uno de estos elementos, pero eso se explota en una escena y se olvida; si no fuera por el carisma del señor Worthington Sully no valdría para pura madre. Esto es un gran problema. ¿Donde esta la relación sutil y necesaria entre Kyle Reese y Linda Hamilton (Terminator)? ¿El extraño pero cálido suplemento a figura paterna de Terminator 2? ¿O la convicción y el amor y la desesperación de El Secreto del Abismo? (Ed Harris gritando “fight fight fight!!” a una ahogada Mary Elizabeth Mastrantonio) No tenemos estos momentos en Avatar y eso, al final, la convierten en una experiencia sensorial gratificante y tal ves hasta intelectualmente cambiante, si nos tragamos su mensaje ecologista, pero emocionalmente vacía. Esto no seria un problema si no supiéramos que James Cameron puede hacerlo mejor.


Eso si, Neytiri is HAWT!!!


Como he dicho en otros medios, el realizar listas con lo mejor y lo peor de tal o cual año o periodo de tiempo es un actividad francamente inútil debido a lo altamente subjetivo del asunto. Inútil en el sentido que no se puede enumerar la calidad de productos de forma 100% objetiva, pero es innegable lo entretenido que es leer listas como esta, pues nos sirven para comprender las tendencias o gustos de alguna publicación o critico determinado, además funcionan como recordatorio sobre algún disco, película o serie memorable que hayamos olvidado o que no hayamos visto.

En esta ocasión les presento lo que a mi criterio personal (obviamente) son mis películas favoritas de la ultima década. Por consiguiente también las considero las mejores películas que tuve el placer de ver. Esta lista no es definitiva y hay posibilidad de que si la tuviera que hacer luego, cosa que no sucederá, varios filmes cambien; pero por lo pronto estos son las elegidos.
Para mi la década del 2000 es importante porque fue la que vio una maduración en mi apreciación por el séptimo arte mas notoria y palpable. Si, llevo viendo muchas películas y siendo cinéfilo desde 1996 pero fue en estos últimos 10 años que descubri tendencias, directores, corrientes y por supuesto películas que nunca pense.

En fin, sin mas rodeos aquí estan, sin orden alguno, mis filmes favoritos de la década. Considerenlos enérgicas recomendaciones personales.


Munich (Steven Spielberg, 2005)
Syriana (Stephen Gaghan, 2005)
Memento (Chritopher Nolan, 2000)
Lost in Translation (Sofia Coppola, 2003)
Cronica de un Asesino en Serie (Joon-ho Bong, 2003)
3-Iron (Kim Ki Duk, 2004)
Deseando Amar (Wong Kar Wai, 2000)
Election y Election 2 (Johnnie To, 2005 y 2006)
The Descent (Neil Marshall, 2005)
Zodiaco (David Fincher, 2007)
The Fountain (Darren Aronofsky, 2006)
Oldboy (Park Chan Wook, 2003)
La Ultima Vida en el Universo (Pen-Ek Ratanaruang, 2003)
Le Scaphandre et le Papillon (Julian Schnabel, 2007)
4 Meses, 3 Semanas y 2 Días (Cristian Mungiu, 2007)
Antes del Atardecer (Richard Linklater, 2004)
Little Children (Todd Field, 2006)
Michael Clayton (Tony Gilroy, 2007)
There Will Be Blood (Paul Thomas Anderson, 2007)
Inland Empire (David Lynch, 2006)
Tokyo Sonata (Kiyoshi Kurosawa, 2008)
No Country for Old Men (Joel e Ethan Coen, 2007)
L'Emploi du Temps (Laurent Cantent, 2001)
Mad Detective (Johnnie To, 2007)


Como actividad adicional estaré agregando reseñas detalladas de cada uno de estos filmes en los próximos meses así que estén al pendiente.

No dejen de comentar que les parece esta lista y animense a dejar la propia. No se limiten por top 10's o top 5's como ven yo hice la mia con el numero que se me pego la gana.


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