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sábado, 25 de julio de 2009
DRAMA
E.U.A.
Titulo Original: Public Enemies
Director: Michael Mann
Editor: Jeffrey Ford, PaulRubell
Escritores: Michael Mann & Ann Biderman y Ronan Bennett
Cinematografía: Dante Spinotti
Música: Elliot Goldenthal
Elenco: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Jason Clarke, David Wenham, Stephen Dorff, Billy Crudup.


Enemigos Públicos es un filme impecablemente elaborado desde un punto de vista técnico. Michael Mann es un maestro en su medio en la elaboración de kineticas y realistas secuencias de acción o suspenso, como lo demostró en Fuego Contra Fuego (1995), El Informante (1999) y Colateral (2004). Pero esas películas superan a su nueva Biopic gangsteril porque proporcionan dramas envolventes, personajes definidos e historias con arcos narrativos interesantes. Es mas, dejémoslo en que tienen arcos narrativos pues Enemigos Públicos no muestra ningún interés, ni pista, ni alusión a la razón de las acciones del notorio roba bancos John Dillinger y las personas que lo rodeaban. Es evidente que hay un lugar en el que tenia que terminar la historia pero no en donde comenzaría, ¿Porque? pues simplemente porque el objetivo es mostrar una serie de incidentes repetitivos en donde Johnny Depp puede verse muy cool (Y entiendan señoritas que lean esta reseña, se ve y actúa muy cool), y Christian Bale pueda dar una mas de sus actuaciones estoicas que lo caracterizan en sus trabajos comerciales.

Dillinger fue notorio por su carisma. Por ser una especie de Robin Hood de la post-depresión que simple y sencillamente hacia lo que quería y, según el filme, quería obtener todo en ese preciso instante. En el proceso se gano el respeto y la admiración del publico ya que nunca atento contra la vida ni los ahorros del hombre común. Fue un símbolo de la rebeldía norteamericana que al mismo país tanto le gusta explotar. El problema es que después de dos horas y media no recibirán mas información ni un percepción mas profunda de lo que acabo de comentar. Parece que Mann solo dice “Así esta la onda y ahora vean como puedo hacer que todo se vea igual de bonito que en los años 30’s” Y si, la película se ve impecable desde cualquier punto de vista; ya que por un lado tenemos los escenarios brillantemente recreados y encuadrados, y por otro tenemos los rostros de Bale, Depp y Cotillard en extreme close-up durante la mayoría de la película. Todo es muy hermoso de ver para el publico.


El problema es que debajo de todo esto no hay nada. Acepto que ningún director esta obligado a darnos mas información pues el define su propia aproximación al material. No era obligatorio que el filme fuera un análisis psicológico de John Dillinger; bien pudo haber sido una clásica y sencilla película de policías y ladrones. Sin embargo Mann intenta hacernos sentir empatía por el roba bancos, una empatía que a veces quisiera sugerir que lo conocemos mas de lo que realmente se nos ha ofrecido o dado la oportunidad. Depp es un actor increíblemente carismático, pero aquí es solo una estrella de rock intercambiando one-liners de película de forma monótona mientras conserva la sonrisa galanezca en su cara que hace que millones de mujeres se derritan por el. Es un póster (Y de hecho uno de los pósters de la película es así) pero nada mas. No hay justificación para la duración de dos horas y media. Al final si uno se pregunta o se pone a hacer un recuento de los eventos claves, los plot points de la película, se dará cuenta de que son casi inexistentes o de que los pocos que hay se repiten constantemente.


Dicho todo esto no puedo negar que hay escenas con una visceralidad, una fluidez y una energía intoxicante que, por momentos, realmente le mete emoción a lo que es en general un filme frío y distante. Una persecución en el bosque, los robos, el escape de la prisión y la ultima escena de Dillinger son verdaderos testimonios del control de Mann y de la fuerza del cine. Por un momento nos hacen pensar que estamos viendo una película mucho mas emocionante, apasionante y deslumbrante de lo que en realidad es.




lunes, 20 de julio de 2009
WESTERN
E.U.A.
Titulo Original: High Noon
Director: Fred Zinnemann
Editor: Elmo Williams
Escritores: Carl Foreman
Cinematografía: Floyd Crosby
Música: Dimitri Tiomkin
Elenco: Gary Cooper, Grace Kelly, Lloyd Bridges, Katy Jurado.

Hay dos imágenes constantes en este Western minimalista: un reloj que amenazadoramente nos informa de la llegada del tren del medio día; y el rostro angustiado y cansado del Sheriff Will Kane (Gary Cooper) luchando con demonios internos jamas explícitamente explicados, pero sugeridos en sus acciones y en su mirada perdida.

Kane acaba de contraer matrimonio con Amy (Grace Kelly) y es su ultimo día como Sheriff. Los preparativos para que ambos se marchen del pueblo están casi listos, pero entonces Kane es informado que un delincuente que encerró hace años fue liberado y regresará en el tren de las 12 de la tarde para saldar cuentas con el. Nadie en el pueblo quiere al viejo Sheriff ahí cuando el tren llegue; ni el mayor, ni sus amigos, ni su esposa, ni su antigua amante. Solo y abatido Kane decide afrontar su responsabilidad sin el apoyo de nadie; tal vez por un sentido estricto del deber, o por decepción ante el sistema de justicia que dejó al criminal libre, o tal ves para proteger a su nueva esposa de ser perseguidos. Tal ves tenga algo que demostrarse a si mismo. Tal ves es solo un viejo terco y orgulloso.

La riqueza de esta película yace en la infinidad de lecturas que se pueden dar de las acciones del personaje de Gary Cooper, y en la declaración mucho mas extensa, de un Estados Unidos individualista, temeroso y que prefiere dar la espalda a los suyos en tiempos de necesidad. El universo es el árido pueblo. La Amenaza proviene de las vías que se extienden hasta el horizonte, y la salvación es un alma cansada que deambula por el pueblo en busca de ayuda y probablemente entendimiento de sus propias acciones.


A La Hora Señalada ha sido denominado como un Western-Noir por su fotografía en blanco y negro altamente contrastada, inusual en el genero; por la carencia de secuencias de acción mas que en el duelo final, y por la introspección de sus personajes. Gary Cooper hace un trabajo admirable como Kane; transmitiendo una gama de emociones de ambiguo significado en una sutil y sincera interpretación. Lo apoyan Grace Kelly, que en toda honestidad no tiene mucho que hacer, Lloyd Birdges como un joven ambicioso pero egoísta y la mexicana Katy Jurado, como una mujer fuerte y sagaz.

Con la excepción de una anticlimatica y torpe pelea, el filme es técnicamente impecable y la edición, que nos muestra los hechos casi en tiempo real, cargan sus 84 minutos de duración con una tensión palpable a pesar de la cotidianidad de varios de los eventos.

A La Hora Señalada es uno de los mas singulares Westerns que he visto, lo cual lo convierte en una vista obligada para los fans del genero. Su intensa narrativa lineal, diseño visual, atención a personajes y el simbolismo de la situación general que, si bien ya puede sentirse pasada de moda en este momento, fue muy significativa en la década de los 50, lo convierten en un filme inusualmente rico y disfrutable, que va mas allá de los convencionalismos de otro tipo de películas de vaqueros light.

jueves, 2 de julio de 2009

HORRO/THRILLER
E.U.A.
Titulo Original: The Last House on the Left
Director: Dennis Iliadis
Editor: Peter McNulty
Escritores: Adam Alleca y Carl Ellsworth
Cinematografía: Sharone Mier
Música: John Murphy
Elenco: Tony Goldwyn, Monica Potter, Sarah Paxton, Garret Dillahunt, Michael Bowen, Riki Lindhome, Martha MacIsaac.


Last House on the Left (No la llamare por su estúpido titulo en español) es una película perturbadora, absorbente, explotadora, gráfica, excesiva, elegante, incomoda y tensionante. Es un muy buen filme cuya premisa se basa en los conceptos de la violencia y la retribución, y cuya narrativa hace gran uso del Deus Ex Machina para sostener su historia estilo fábula. Y es que eso es lo que básicamente es, pues esta basada en una canción suiza de la edad media que narra los eventos que realmente sucedieron en el pueblo de Malmskogen. Una jovencita es brutalmente violada y asesinada en el bosque por unos delincuentes. Mas tarde ellos buscan refugio en una casa, donde resulta están los padres de su reciente víctima. Ellos se dan cuenta de quienes son las personas que hospedan y deciden planear su venganza.

El gran Ingmar Bergman filmo esta historia tal y como se narra en la canción en The Virgin Spring (1960). En el 72 Wes Craven la adapto a un contexto contemporáneo y mucho mas violento, dejando a un lado los cuestionamientos religiosos y adoptando únicamente la idea de la retribución sangrienta como consecuencia de la violencia inherente en los seres humanos. Pero esa fue una película mala. Ahora Wes Craven produce y pone al griego Dennis Iliadis a dirigir un remake del remake de Craven, una ves mas sin realizar cambios muy grandes a la premisa básica.

La versión de los 70`s era muy independiente y burda en su aspecto visual, lo cual le daba cierta autenticidad y visceralidad, pero también era amateur en su dirección y demasiado malévola en todos los actos que se presentaban. El objetivo se perdía en los excesos. La nueva versión sabe como construir tensión por medio de un lenguaje cinematográfico profesional y técnicamente impresionante; sabe crear drama con interpretaciones intensas y realistas, y sabe llenar las obviedades e inverosimilitudes de su historia, así como complementar los convencionalismos del genero con diálogos bien escritos. El director juega con ciertos elementos clásicos del genero de horror contemporáneo y nos engaña haciéndonos creer que esta será una película típica. Esta versión es mas calculada e inteligente en su presentación. La setentera era mas directa y cruda.

Admito que me es difícil recomendar una película así, sobretodo en esta temporada de blockbusters, cuando se que el contenido es gráfico, angustioso y doloroso de ver. No, no es tan violenta como la versión de Craven, pero aun así no escatima en la intensidad y en la forma inquebrantable de mostrar los hechos monstruosos que los delincuentes realizan, poniendo al espectador en una situación incomoda.


Después tenemos nuestra “recuperación” cuando los padres empiezan su venganza pues, tanto ellos como nosotros buscamos algún pago por los actos cometidos en la primera mitad. Esta parte de la película es mas propia de un típico filme de genero en atmósfera y situaciones, pero aun así consigue incrementar la tensión a niveles altos, siempre gracias a la mano segura de Iliadis que evita modas como cámaras epilépticas o brincos baratos y mejor utiliza magníficamente el espacio de la casa en penumbras con excelentes movimientos y posicionamientos de cámara.

Finalmente podría hablarles de la “moraleja” de la película, pero ciertamente en esta versión no es necesaria aceptarla. El mensaje ahí esta, y es bastante obvio desde la sinopsis así que, o les gusta o les parecerá una excusa barata para mostrar violencia. Sinceramente mi posición es neutra porque la película sí tiene momentos, principalmente en la escena final que, sencillamente, no debería existir de ese modo, en la que pareciera inclinarse a la segunda razón. Pero la calidad de la producción, realización y de todos los elementos sensoriales que conforman un filme están en el lugar correcto.

Hasta ahorita Last House on the Left es lo mejor que he visto este verano. Si pueden aguantar este tipo de material, la recomiendo ampliamente.

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